Critiques de films

A l'origine

critiques — Wed, 25 Nov 2009 22:50:31

Ouai bof. Un peu décevant. Je n'aime pas trop le cinéma réalité avec des acterus moches et chez les pauvres... Donc, ce film bof, bof.

scénario: 8/20 technique: 14/20 acteurs: 15/20 note finale: 12/20

Un homme qui se fera appeler Philippe Miller est un escroc solitaire qui vit sur les routes.
Un jour, il découvre par hasard un chantier d'autoroute abandonné, arrêté depuis des années par des écologistes qui voulaient sauver une colonie de scarabées. L'arrêt des travaux avait été une catastrophe économique pour les habitants de cette région.

Philippe y voit la chance de réaliser sa plus belle escroquerie. Mais son mensonge va lui échapper.

In the loop*

critiques — Tue, 24 Nov 2009 11:35:02

Bof, pas terrible. D'accord, on se moque des américains, des anglais et de la politique en général, mais les personnages sont trop caricaturaux et ils lassent. Alors bof. C'est mal filmé en plus.

scénario: 10/20 acteurs: 12/20 technique: 8/20 note finale: 8/20

Micmacs en politique

Entre Londres et Washington, Faucons et Pacifistes se livrent à de folles tractations avant une possible invasion guerrière au Moyen-Orient... A Downing Street, Malcolm Tucker, l'effroyable directeur de la communication du Premier Ministre, est hors de lui : Simon Foster, l'ambitieux mais maladroit ministre britannique du Développement Mondial, vient de déclarer que la guerre serait "imprévisible". Relayée par les médias, la gaffe devient ingérable. Déformée par les deux camps, elle va provoquer un vent de panique dans les arcanes d'un pouvoir plus vrai que nature, jusqu'au vote décisif aux Nations Unies.

Armando IANNUCCI - GB 2009 1h46mn - avec Peter Capaldi, Tom Hollander, Anna Chlumsky, Chris Addison, Gina McKee, Steve Coogan, Mimi Kennedy, James Gandolfini... Scénario de Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci et Tony Roche.

Comment faire rire avec un sujet terrible, qui devrait nous plonger dans une angoisse abyssale. Plus fort encore, comment faire en sorte que le traitement par le rire soit au final plus terrifiant que n'importe quel drame, suspense ou film-dossier. Eh bien voilà : en lointain descendant d'un Docteur Folamour de sarcastique mémoire, ce décapant In the loop répond haut la main à ce double défi. À l'origine du film, une équipe de lascars qui a sévi pendant trois ans à la télévision britannique dans une émission satirique (The Thick of it), qui s'attaquait sans précautions superflues à certaines pratiques gouvernementales. Audience record, retombées médiatiques et politiques explosives… Avec In the loop, Armando Iannucci (réalisateur italo-écossais) et ses acolytes dégoupillent une comédie dévastatrice, qui nous plonge dans les coulisses infernales de la préparation d'une éventuelle intervention militaire américano-anglaise au Moyen-Orient… Toute ressemblance avec des personnages ou des situations réelles est consciemment, résolument et joyeusement dépendante de la volonté des auteurs de ce brûlot iconoclaste…

Le ministre britannique du développement mondial, Simon Foster, vaguement idéaliste mais surtout ravi de se voir interviewé par la BBC à une heure de grande écoute sur le conflit au Moyen Orient, profère doctement que la guerre lui semble « imprévisible ». Déclaration qui ne veut pas forcément dire grand chose mais qui déclenche néanmoins la fureur du terrible Malcolm Tucker, l'Écossais agressif et ordurier occupant le poste éminemment stratégique de directeur de la communication du Premier Ministre. Il est le gardien vitupérant de la « ligne officielle » du gouvernement, autant dire que c'est lui qui dit ce qu'il faut dire et ne pas dire à la télévision. Et dire que « la guerre est imprévisible » est une putain de foutue connerie ! Donc cet abruti de connard de ministre du développement mondial de mes deux aurait mieux fait de la fermer, donc à partir de maintenant il ne dit plus rien ! Et ses jeunes conseiller et attachée de presse pareil !
Côté yankee, la sous-secrétaire d'état américaine chargé de la diplomatie, la plutôt colombe Karen Clarke, est justement à Londres pour tenter d'empêcher l'escalade du conflit. Quand elle apprend qu'à Washington, derrière son dos, son collègue chargé de la politique étrangère, le vrai faucon Linton Barwick, réunit secrètement un comité de guerre, elle rend soudain public un dossier composé à la va-vite par sa jeune et ambitieuse assistante, Liza. Et Karen Clarke, considérant qu'une guerre « imprévisible » est une guerre dont on ne veut pas, se dit que les positions courageusement pacifistes du ministre anglais Foster vont la soutenir efficacement… Tu parles !
Poursuivi par les médias, cette andouille de Simon Foster ne peut s'empêcher de s'empêtrer dans de nouvelles déclarations catastrophiques : « Aller vers la paix, c'est parfois se préparer à escalader la montagne du conflit ». Malcolm Tucker s'étrangle de rage, insulte, menace… et décide, en stratège du coup fourré à triple bande, d'envoyer le ministre gaffeur en mission diplomatique à Washington…

Le jeu de massacre est dantesque ! On assiste effaré à une sarabande effrénée, où chaque protagoniste rivalise de mauvaises raisons de faire ce qu'il fait. Supposés œuvrer pour le bien commun, confrontés à des décisions aux conséquences sans doute gravissimes, les ministres, les militaires, les hauts fonctionnaires et toute leur valetaille super diplômée se révèlent mus par l'arrivisme, la soif de pouvoir, les rivalités, le souci envahissant de l'image, quand ce n'est pas par la pure et simple imbécilité… Ça va à cent à l'heure, les dialogues sont pétaradants (la collection d'injures du directeur de la communication vaut à elle seule le déplacement), la charge est d'une violence et d'une férocité implacables. Caricature certes, exagération burlesque sans doute, mais qui font froid dans le dos autant qu'elles font se gondoler.

Micmacs à tire-larigot*

critiques — Mon, 23 Nov 2009 21:41:20

Après avoir vu la bande-annonce, je craignais vraiment le pire pour ce film que je ne voulais d'ailleurs pas aller voir: ça m'avait l'aire débile tout simplement... Et puis finalement, j'y suis allée et ce fut une heureuse surprise. Intéressant cette nouvelle lutte d'un homme qui a une balle dans la tête et quid écide de se venger des constructeurs d'armes... Bien filmé et bien joué.

scénario: 16/20 acteurs: 16/20 technique: 17/20 note finale: 16/20

Entre Bibi Fricotin et Mission : Impossible
Une mine qui explose au coeur du désert marocain et, des années plus tard, une balle perdue qui vient se loger dans son cerveau... Bazil n'a pas beaucoup de chance avec les armes. La première l'a rendu orphelin, la deuxième peut le faire mourir subitement à tout instant.
A sa sortie de l'hôpital, Bazil se retrouve à la rue. Par chance, ce doux rêveur, à l'inspiration débordante, est recueilli par une bande de truculents chiffonniers aux aspirations et aux talents aussi divers qu'inattendus, vivant dans une véritable caverne d'Ali-Baba : Remington, Calculette, Fracasse, Placard, la Môme Caoutchouc, Petit Pierre et Tambouille. un jour, en passant devant deux bâtiments imposants, Bazil reconnaît le sigle des deux fabricants d'armes qui ont causé ses malheurs. Aidé par sa bande d'hurluberlus, il décide de se venger.

Seuls contre tous, petits malins contre grands industriels cyniques, nos chiffonniers rejouent, avec une imagination et une fantaisie dignes de Bibi Fricotin et de Buster Keaton, le combat de David et Goliath...

Jean-Pierre Jeunet - France 2009 1h44mn - Avec Dany Boon, André Dussollier, Omar Sy, Dominique Pinon, Julie Ferrier, Nicolas Marié, Marie-Julie Baup, Michel Cremades, Yolande Moreau, Jean-Pierre Marielle... Scénario de Jean-Pierre Jeunet et Guillaume Laurant.

Depuis la naissance d’une certaine Amélie, pas celle de la sécu hein, mais l’autre, celle de Montmartre, Jean-Pierre Jeunet est un auteur à part dans le panorama du cinéma français et même international. Chaque nouveau film, il faut bien l’avouer, est désormais un évènement qui suscite autant d’attente que d’agacement ; attendu comme il se doit au tournant par une multitude de spectateurs, toutes générations confondues, qui rêvent encore de ce Paris en rouge et vert où déambulait la fameuse et radieuse Amélie… Après un détour par le mélo historique avec Un long dimanche de fiançailles, en passant par le genre ultra codé de la série des Alien où il parvenait à injecter son propre univers, Jean-Pierre Jeunet opère un retour à ses premiers amours et à Délicatessen où le bric-à-brac était de mise et où le rire naissait de l’étrange et d’un burlesque gentiment macabre (il y fait d’ailleurs directement référence dans une courte scène où l’on joue de la scie musicale). Voilà donc Micmacs à tire-larigot (ça nous change un peu des titres moroses) qui déploie devant nous et pour notre plus grand plaisir son imagerie dézinguée, déjantées, colorée, foisonnante et délirante propre à l’univers de Jeunet…

Une mine qui explose au cœur du désert marocain et, des années plus tard, une balle perdue qui vient se loger dans son cerveau… Bazil n’a pas beaucoup de chance avec les armes. La première l’a rendu orphelin, la deuxième peut le faire mourir subitement à tout instant. A sa sortie de l’hôpital, ayant perdu son travail, il se retrouve à la rue. Il est recueilli par une bande de truculents chiffonniers : Remington, ethnologue africain venu étudier notre drôle de contrée et qui ne parle qu’avec des expressions désuètes et des dictons bien de chez nous (genre du temps des colonies) ; Calculette, qui, comme son nom l’indique, a le don de tout compter en un clin d’oeil ; Fracasse, qui veut absolument battre le record de l’homme canon ; Placard, qui a survécu à la guillotine ; La môme caoutchouc, contorsionniste amoureuse de Bazil et enfin Tambouille, qui les a tous adoptés, après avoir perdu ses jumelles dans le labyrinthe des glaces…
Chiffonnant pour eux, Bazil tombe un jour, par hasard, devant le siège de deux compagnies : il reconnaît le sigle des deux fabricants d’armes qui ont provoqué son malheur. Avec l’aide de la bande d’hurluberlus, Bazil va, grâce à son imagination de « Petit Poucet », monter les PDG des deux compagnies l’un contre l’autre, afin de mieux les anéantir…

Multiplication de personnages loufoques, échafaudage progressif de séquences façon réaction en chaîne, environnement aux couleurs chaudes et saturées, on est chez Jeunet sans aucun doute et on se laisse aller à un bonheur immédiat. Le casting est au petits oignons et alors que le projet initial était écrit pour Jamel Debouzze, il échoit par un concours de circonstance à Dany Boon qui prête ses traits à Bazil en y apportant son univers décalé et burlesque. Jeunet n’est pas Michael Moore et quand il dénonce les marchands d’armes, on peu trouver ça un peu léger, voir inoffensif, mais il le fait avec ses armes à lui, la poésie des objets désuets, l’humanité touchante de quelques gueux et un amour immodéré pour le cinéma comme on en voit rarement, une passion pour un art qui fédère, l’art forain de l’illusion, celui qui émerveille petits et grands, en deux mots, celui qui donne à rêver.

Trésor

critiques — Sun, 22 Nov 2009 17:13:56

Ce film est consternant. Mathilde Seigner nous avait habitué à mieux choisir ses films! Heureusement que j'ai vu ce navet gratuitement, parce que si j'avais du payer pour voir ça, j'aurais été encore plus furax... Nous étions trois dans la salle. Ce film peutcependant plaire aux très jeunes enfants parce que le chien ne fait que péter... lol

scénario: 3/20 technique: 16/20 acteurs: 16/20 note finale: 5/20

Jean-Pierre et Nathalie s'aiment depuis cinq ans. Pour fêter cet anniversaire, Jean-Pierre offre à sa compagne un cadeau inattendu, un adorable bulldog anglais de quatre mois. Nathalie est folle de joie. C'est décidé : il s'appellera "Trésor".

Entre elle et l'animal, la relation devient immédiatement fusionnelle. Trésor fait de la chambre à coucher son territoire et y règne en maître, ronfle, bave, investit le lit. Le couple tangue, chavire, au gré des humeurs de ce monstre autoritaire...

Rapt*

critiques — Sat, 21 Nov 2009 20:59:34

Ce film est très réussi malgré la présence d'Yvan Attal, qui, comme d'habitude joue comme une casserole. Mais à part ce "petit" (malheureusement, il a le rôle principal... ) détail, tous les acteurs sont parfaits, le scénario est enlevé, c'est bien filmé et bien réalisé.

scénario: 17/20 acteurs (sauf pour Y. Attal): 17/20(pour Yvan Attal: 2/20) , technique: 17/20 note finale: 17/20

La vie d'après
Homme d'industrie et de pouvoir, Stanislas Graff est enlevé un matin comme les autres devant son immeuble par un commando de truands.
Commence alors un calvaire qui durera plusieurs semaines. Amputé, humilié, nié dans son humanité, il résiste en ne laissant aucune prise à ses ravisseurs. Il accepte tout sans révolte, sans cri, sans plainte, c'est par la dignité qu'il répond à la barbarie. Coupé du monde, ne recevant que des bribes d'informations par ses geôliers, Graff ne comprend pas que personne ne veuille payer la somme qui le délivrerait.
Au-dehors, son monde se fissure au fur et à mesure de la révélation de sa personnalité. Tout ce qu'il avait réussi à garder d'intimité, son jardin secret, est révélé à sa famille par l'enquête de police ou celle de la presse.
Chacun découvre un homme qui est loin de ressembler à celui qu'il imaginait...

Écrit et réalisé par Lucas BELVAUX - France 2009 2h05mn - avec Yvan Attal, Anne Consigny, André Marcon, Alex Descas, Françoise Fabian, Michel Voïta, Gérard Meylan...

Après sa désormais fameuse trilogie (Un couple épatant, Cavale, Après la vie) ; après son très attachant La Raison du plus faible, voici le nouveau film de Lucas Belvaux, titré d’un lapidaire Rapt… et une fois de plus c’est vraiment bien !
S’inspirant d’un fait divers qui défraya la chronique en 1978 (l’enlèvement du baron Edouard-Jean Empain, héritier et PDG du groupe Empain-Schneider), Lucas Belvaux nous livre un film noir de haute volée, qui mêle suspense tendu et analyse socio-psychologique d’une finesse et d’une complexité remarquables. Impeccablement construit et rythmé, filmé avec fluidité et élégance, formidablement interprété, Rapt intrigue, captive, et fait gamberger… La réussite est éclatante.
Stanislas Graff (Yvan Attal, c’est son année) est un homme pressé. Puissant industriel, charismatique, séducteur, joueur, il mène plusieurs vies de front, épuise chaque minute de chaque heure de chaque journée. Il a une femme, deux filles, des maîtresses, des relations, des déjeuners d’affaires, des nuits de poker. Et le pire, c’est qu’il reste presque sympathique… Question de charme, de capacité à vivre l’instant présent avec une gourmandise jamais feinte, de faculté de considérer chaque interlocuteur avec l’attention qui lui est dûe… Il jouit d’une influence tranquille auprès des milieux politiques, il va d’ailleurs prochainement accompagner le Président de la République en Chine.
Et puis un matin, il sort de son appartement avenue Foch, monte dans sa voiture avec chauffeur, direction son bureau… qu’il n’atteindra jamais. En route, il tombe dans un guet-apens, il est drogué, kidnappé et séquestré dans une pièce anonyme d’une maison, ou d’un bâtiment quelconque, qu’il est incapable de situer…

Il apparaît très vite que le rapt n’a aucune implication politique, le but des ravisseurs est clair : obtenir une énorme rançon, qu’ils réclament bientôt à la famille, dans l’impossibilité de payer sur ses possessions propres… D’où, conséquemment, branle-bas de combat au sein de l’entreprise dont Graff est certes l’actionnaire principal mais pas unique : pas question que la société prenne la rançon du patron en charge. Elle veut bien avancer l’argent, mais il faudra que la famille rembourse. De son côté, la police est aussitôt sur les dents. Sa position est abrupte : ne pas céder au chantage des truands, c’est une question de principe. Truands qui vont démontrer qu’ils ne plaisantent pas en expédiant à l’épouse de Graf une phalange de l’auriculaire de son mari…
Le film avance ainsi, haletant, entre la geôle de Graf et les tractations à l’extérieur. Et ça devient vraiment passionnant parce que se construit pièce à pièce un puzzle complexe où se révèlent les motivations, les intérêts des uns et des autres, en même temps qu’apparaît au grand jour la personnalité contradictoire d’un homme dont la façade publique dissimulait bien des secrets…

La religieuse portugaise*

critiques — Fri, 20 Nov 2009 17:04:54

Ce film est très particulier et on adhère ou pas. Personnellement, j'ai adoré!!! Ce film est une merveille. C'est un hommage à Lisbonne qui est divinnement filmée. L'histoire est originale et les acteurs jouent très bien. Le réalisateur a un univers très particuliers: les acteurs jouent tous avec le regard vide.

scénario: 18/20 technique: 20/20 acteurs: 18/20 note finale: 19/20

Julie de Hauranne, une jeune actrice française parlant la langue de sa mère, le portugais, mais qui n'a jamais été à Lisbonne, arrive pour la première fois dans cette ville, où elle doit tourner dans un film inspiré des Lettres de la Religieuse Portugaises de Guilleragues. Elle se trouve vite fascinée par une religieuse qui vient prier toute les nuits dans la chapelle de Nossa Senhora do Monte sur la colline de Graça. Au cours de son séjour la jeune femme fait toute une série de rencontres, qui, à l'image de son existence antérieure, semblent éphémères et sans suite, mais après une nuit où elle parle enfin avec la religieuse, elle entrevoit le sens de sa vie et de son destin.

(A Religiosa portuguesa) Écrit et réalisé par Eugène GREEN - Portugal 2009 2h07mn - avec Leonor Baldaque, Carloto Cotta, Beatriz Batarda, Diogo Doria, Ana Moreira, Adrien Michaux, Eugène Green...

Le cinéma a ceci – entre autres – de génial qu’il a suffisamment de force et de pouvoir de suggestion pour vous rendre, le temps d’une séance, pour quelques heures, quelques jours ou parfois plus longtemps, amoureux d’un personnage, d’une actrice, d’un acteur. On a tous vécu ainsi des coups de passion sans lendemain, ou au contraire noué des liens indéfectibles… Mais le cinéma vous rend aussi parfois amoureux d’une ville… Et c’est de cela dont il est d’abord question ici.
Eugène Green (dont on avait déjà beaucoup aimé Le Pont des Arts) est tombé amoureux de Lisbonne il y a près de 30 ans : il y séjourne régulièrement, il en a appris les coutumes et la langue. Et dans ce film impressionniste étonnant qu’est La Religieuse portugaise, il sait merveilleusement nous faire partager, à partir de rien ou presque, son amour pour cette ville dans laquelle on se perd avec délectation. Et franchement, rien que pour le bonheur de découvrir Lisbonne à travers les images somptueuses de Green, le film vaut le déplacement !

On fait la visite sur les pas de Julie de Hauranne, jeune actrice française d’origine portugaise, qui vient pour la première fois à Lisbonne pour y tourner un film inspiré des Lettres Portugaises de Guilleragues, narrant les amours interdites d’une religieuse avec un jeune officier au xvii^e siècle. Mais à travers ce rôle et ce voyage, c’est bien un périple au-delà d’elle-même que Julie va entreprendre, d’abord sur les traces d’une culture perdue et magnifique, qu’elle découvre en parcourant en même temps que nous la ville et ses secrets. Car Lisbonne ne s’expose pas mais se dévoile, notamment dans les tascas, ces bistrots où, le dimanche après-midi, les gens du quartier se retrouvent pour chanter ou écouter le fado. Au-delà de l’image formatée et muséifiée (la dictature d’avant la Révolution des Oeillets avait éteint les aspirations du peuple sous la trilogie fado, football et fatima), le fado est un art vivant bouleversant, exprimant la saudade, ce sentiment très portugais que l’on confond souvent avec la nostalgie, mais qui est aussi l’expression d’un espoir en un avenir meilleur. Et c’est avec les superbes fadistas Camané et Aldina Duarte que Julie et le spectateur restent baba devant deux séquences de fados d’une beauté à arracher les larmes.
Et au-delà de la communion avec la ville, magnifiquement rendue par des plans éclairés d’une lumière splendide, par un travail sur le son restituant les moindres bruits (Lisbonne est une ville où l’on entend encore chanter les coqs), Julie, l’actrice persuadée de ne pouvoir aimer plus d’une nuit, va au-devant de son destin en rencontrant des personnages emblématiques : un jeune garçon étonnamment mature et attachant, un étrange comte dépressif mais fascinant, et l’incarnation angélique du Roi Dom Sebastião, jeune roi mythique de l’indépendance portugaise dont le corps disparut dans une bataille contre les Maures, laissant croire au peuple qu'il reviendrait un jour… Mais aussi une vraie religieuse, qui passe ses nuits dans la chapelle où est tourné le film dans le film.

Entre passé et présent, au fil de dialogues volontairement, délicieusement surannés et décalés jusqu’à l’absurde, Eugène Green se joue des routes toutes tracées, et nous offre un film magnifique sur l’amour et le destin, livrant sa passion pour une ville, un pays, une culture.

Les vies privées de Pippa Lee*

critiques — Thu, 19 Nov 2009 11:21:48

Ce film est très intéressant malgré quelques longueurs. Le scénario est original et la mise en scène est réussi. les acteurs sont formidables.

scénario: 16/20 technique: 16/20 acteurs: 16/20 note finale: 16/20

Pippa Lee s'est construite une vie confortable dans une atmosphère feutrée. Elle est dévouée à son mari plus âgé, ainsi qu'à ses enfants déjà adultes. Mais à l'approche de la cinquantaine, cette sérénité en apparence parfaite s'effrite. Pippa a connu une enfance tumultueuse et délurée où se sont mêlés sexe, drogue et rock'n'roll. Désormais, elle doit donc trouver un équilibre entre sa jeunesse troublée et "la femme " trop rangée " qu'elle est devenue. Sa rencontre avec un mystérieux jeune homme va lui permet de trouver un nouveau sens à sa vie...

(The Privates lives of Pippa Lee) Écrit et réalisé par Rebecca MILLER - USA 2008 1h35mn - avec Robin Wright Penn, Alan Arkin, Keanu Reeves, Winona Ryder, Maria Bello, Blake Lively, Julianne Moore, Madeline McNulty, Monica Bellucci...

Bien sûr, dit comme ça : Les Vies privées de Pipa Lee, ça fait un peu reportage banal d’un quelconque magazine féminin ; à moins que cela ne fasse carrément penser au titre d’un film un peu olé-olé qui raconterait les multiples et rocambolesques aventures intimes de cette sacré coquine de Pipa Lee. Mais rien de tout cela… « Pipa Lee », tout simplement, eût été un titre mieux adapté à ce qu’est vraiment le film : le portrait d’une nana qui s’appelle ainsi ! Mais bon, le titre ne fait pas le film, passons donc…
Pipa Lee, c’est la blondeur troublante et la discrétion classe de Robin Wright Penn. une beauté égarée quelque part entre le feu douloureux d’une Gena Rowlands et l’aristocratie troublante et énigmatique d’une Grâce Kelly.
Elle trouve ici son plus beau rôle, le plus complexe, et tient à elle seule le film, qu’elle porte avec un talent subtil. Mises à part Maria Bello en mère au bord du gouffre et Winona Ryder en copine dépressive, les autres célébrités du casting (Julianne Moore, Monica Belluci…) ne font que de (très belles, au demeurant) apparitions. Pipa Lee c’est elle, et le film est son histoire.

Pippa Lee s’est construit une vie confortable dans une atmosphère feutrée où il n’y a place ni pour les vagues, ni pour l’imprévu. Ses enfants sont grands maintenant et les jours s’écoulent au rythme d’une existence mortellement calme où elle n’est finalement plus que l’épouse de son mari. Un mari qui fut un jour l’homme mûr, rassurant et expérimenté qui la prit sous son aile mais qui est aujourd’hui un vieux monsieur au cœur fragile pour lequel elle nourrit les pires inquiétudes (« un jour, il va mourir »). Pippa Lee va bientôt avoir cinquante ans. Ce n’est pas que cela l’angoisse : elle n’est pas de celles qui veulent absolument préserver leur corps du vieillissement naturel, et elle porte avec grâce toutes ces petites rides qui rendent les yeux encore plus pétillants et charmeurs. Pourtant, quelque chose la titille, le sentiment diffus qu’il est temps de faire le tour de sa propre question, la sensation que des zones d’ombre persistent et que le moment est venu de faire machine arrière pour reprendre en main toutes les petites briques qu’elle a empilées au fil du temps pour se construire, elle, Pippa Sarkissian devenue Mrs Lee.
Le souvenir de sa mère tout d’abord, omniprésent. Une femme toujours sur le fil du rasoir, flirtant en permanence avec la folie, qui voyait en Pippa sa petite poupée, son jouet de chair et de sang, l’objet de tous ses désirs secrètement inassouvis. Puis l’adolescence, vécue dans la violence, les excès, comme une seconde naissance, comme un oubli de soi, de son corps, de ses limites, de ses ancrages. Mais surtout quelques rencontres décisives : une tante homosexuelle un peu baba-cool qui lui fera briser quelques ultimes remparts, et enfin Herb Lee, écrivain contrarié devenu éditeur et qui sera l’homme de sa vie.

Au détour de tous ces allers-retours dans son histoire (traités à l’écran avec beaucoup d’humour et d’originalité), Pippa s’apercevra qu’une vie peut en contenir mille et que la vraie force n’est pas, comme elle l’avait cru jusqu’alors, d’être capable de maintenir les choses en l’état, mais plutôt d’accepter qu’il peut y avoir une vraie fin, et de nouveaux débuts.

D'une seule voix

critiques — Wed, 18 Nov 2009 19:11:51

Ce documentaire est excellent: il nous montre comment un homme qui pense qu'on peut rapprocher les peuples par la musique organise une tournée en France avec des artistes palestiniens et israéliens. C'est une excellente idée et toutes les initiatives en faveur de la paix doivent être soutenues.

scénario: 19/20 note finale: 19/20

Israéliens et Palestiniens, juifs, chrétiens et musulmans, ils sont avant tout musiciens. Partant du constat qu'il est maintenant impossible pour eux de se rencontrer en Israël ou dans les Territoires Palestiniens, Jean-Yves Labat de Rossi, vieux routard de la musique, va les chercher chez eux, de part et d'autre du mur, pour les inviter à une tournée surprenante qui les réunira en France pendant trois semaines. Un pari audacieux qui se révèle rapidement risqué. Dès le début de la tournée, les rivalités apparaissent inévitablement. Sur scène, c'est un triomphe alors que dans les coulisses, le ton monte. Mais cette promiscuité à laquelle ils ne peuvent échapper les contraint, malgré tout, à communiquer. L'exaspération liée à la fatigue de la tournée et aux antagonismes politiques se transforme progressivement en liens qui se tissent et dont la musique est le fil de trame.

La grande vie*

critiques — Tue, 17 Nov 2009 17:50:03

Une satire féroce de la télévision: la façon dont la télévision se moque des gens, les animateurs qui ont des émissions uniquement pour se mettre en valeur eux-mêmes, la main mise de l'industrie sur les médias... tout est très bien montré dans ce film. On peut cependant regretter quelques clichés faciles: la drogue facile et les filles cruches. Les acteurs sont formidables, c'est bien filmé et le scénario est original. Un premier film très prometteur.

scénario: 16/20 acteurs: 16/20 technique: 16/20 note finale: 16/20

Professeur de philosophie à Saint-Etienne, Grégoire peine à enseigner les fondements de la sagesse à des lycéens somnolents. Militant discret, il se retrouve catapulté à Paris dans un show télévisé qui ne fait qu'une bouchée de son inexpérience. C'est pourtant lui qui vole au secours de Patrick, l'animateur vedette, à la sortie du plateau. Au sommet de sa gloire, Patrick n'est pas heureux. Pour ajouter le bonheur et l'amour à l'argent et la réussite, il doit changer, il doit apprendre... Et il veut Grégoire pour mentor - à n'importe quel prix ! D'abord réticent, Grégoire finit par céder : il sera un Socrate pour l'Alcibiade du petit écran.

Mais au jeu du " Connais-toi toi-même ", qui sera gagnant ? Et de ces deux hommes que tout oppose, qui sera l'élève et qui sera le maître ?

Emmanuel SALINGER - France 2009 1h25mn - avec Laurent Capelluto, Michel Boujenah, Maurice Bénichou, Hélène Fillières, Bernard Le Coq, Céline Sallette, Frédérique Bel, Louise Blachère, Emmanuel Salinger, Jérémie Elkaim, Philippe Duquesne...

Emmanuel Salinger, on l'a connu et aimé comme acteur intense et singulier, notamment chez Arnaud Desplechin : le héros inquiétant et attachant de La Sentinelle, c'était lui. On le retrouve aujourd'hui et on l'aime tout pareil en metteur en scène qui s'attaque à un genre finalement peu exploré par le cinéma français d'auteur : la comédie. La vraie, la franche comédie. Pas facile de faire rire intelligemment et différemment, d'associer une vraie vision du monde qui nous entoure et le sens du gag, la légèreté de la fantaisie, le tempo de l'efficacité comique. Emmanuel Salinger s'y essaie avec une énergie et un enthousiasme communicatifs et réussit son coup : son film est drôle, malicieux, extrêmement divertissant (« that's entertainment ! » comme disaient les artisans de la comédie américaine à la grande époque) et en même temps très révélateur de certaines interrogations, de certains errements de notre société bouffée par l'obsession de l'image et de la réussite. Et en plus il met au centre de son propos un truc qu'on n'imagine pas spécialement propice à la rigolade : la philosophie ! Ce qui lui permet d'évoquer en toute légèreté (encore et toujours) de menues questions telles que : comment vivre et pourquoi, pour qui ? Qu’est-ce qui fait une vie pleinement humaine ? Comment vivre au milieu des autres ? « Dans le fond, ce sont des questionnements que tout le monde partage. Il me semble que le propre de certains films est de raviver ces interrogations chez les spectateurs » dit Emmanuel Salinger.

Or Grégoire (excellent Laurent Capelluto, vu lui aussi chez Desplechin) est prof de philo à Saint-Étienne. Un prof de philo qui aime la philo et qui essaie d'enseigner au mieux les fondements de la sagesse à des lycéens majoritairement somnolents ou qui, s'ils sont éveillés, lui posent des questions qui le laissent sans voix. Mais bon, c'est sa vie et elle en vaut bien une autre, d'autant qu'il est amoureux d'une libraire qui le lui rend bien et qu'il consacre du temps et de l'énergie à la défense de justes causes qui lui permettent de passer de la théorie à la pratique. C'est ainsi que le début du film (hilarant) le montre allant manifester, avec quelques camarades aussi déterminés que maladroits, en faveur de mal logés menacés d'expulsion manu militari ou plutôt flicari.
Cette action de groupe, couronnée d'un succès très relatif, aura deux conséquences d'importance pour la suite de son existence : tout d'abord il va se trouver dans l'obligation solidaire d'héberger dans son petit appartement un désormais sans domicile qui va s'avérer passablement encombrant et intrusif (c'est Maurice Bénichou, génial en invité qui fait comme chez lui). Et surtout, vu que sa trombine est apparue en gros plan dans un reportage télé, le voilà invité à causer des problèmes du logement et de la spéculation immobilière sur le plateau d'un talk-show qui fait péter l'audimat, animé par la super-vedette du petit écran Patrick qui n'a même plus besoin de nom de famille tellement tout le monde le reconnaît dans la rue…

Grégoire monte donc à Paris, bafouille trois phrases en direct (Socrate lui-même aurait été nul dans une émission de Ruquier ou Ardisson) et s'apprête à tirer un trait définitif sur une expérience médiatique aussi brève que désastreuse… Mais des circonstances facétieuses vont se liguer pour le rapprocher du fameux Patrick, lequel se révèle être encore plus paumé et malheureux que célèbre et qui va s'enticher de ce prof de philo qui pourrait bien lui donner quelques conseils de vie, de bonheur, de sérénité… Conclusion logique : Patrick propose à Grégoire de devenir son coach en philosophie. Il le paiera grassement, lui fera rencontrer le tout Paris, fera exploser en une gerbe d'étincelles sa petite vie de provincial étriqué ! Grégoire hésite, résiste et cède… Mais la grande vie est-elle la vraie vie?

LA DANSE le Ballet de l’Opéra de Paris*

critiques — Mon, 16 Nov 2009 10:56:43

Un très beau documentaire sur le ballet de l'opéra de Paris même s'il manque un je ne sais quoi pour être totalement réussi. On voit des danseurs mais on ne voit pas assez de ballets ou la souffrance des danseurs pour arriver à la perfection. le réalisateurs auraient pu nous épargner les séquences avec les coachs qui parlent anglais et qui frôlent le ridicule. Et pas de petits rats. Mais c'est bien filmé et cela reste très intéressant.

scénario: 15/20 note finale: 16/20

Frederick Wiseman, pionnier du cinéma documentaire, a installé sa caméra durant douze semaines au coeur de l'Opéra de Paris. Des ateliers de couture aux représentations publiques où brillent les étoiles, ce film nous entraine dans les coulisses de la prestigieuse institution et nous montre le travail de tous ceux qui donnent corps au quotidien à des spectacles d'exception.

Frederick WISEMAN - documentaire France 2009 2h38mn - avec les chorégraphes, les Étoiles, les Premiers Danseurs, le Corps de Ballet, l’Orchestre, l’École de danse, le personnel administratif… de l’Opéra national de Paris...

Se hissant avec une classe renversante à la hauteur de son titre, voici sans doute LE film de référence sur la danse. Celui qui fera date, s’imposant en toute tranquillité loin devant tous les autres réalisés sur le sujet. Celui qui, par l’acuité de son regard, l’intelligence de sa construction et la pertinence de son rythme, parvient à nous captiver deux heures et trente-huit minutes durant sans l’ombre d’un commentaire, sans l’once d’une explication et sans que jamais l’ennui ni la lassitude ne pointent leur nez. Austère, craignez-vous ? Inaccessible ? Incompréhensible ? Un bel objet bien façonné pour un public bien ciblé ? Pas du tout, bien au contraire !
Nul besoin d’être un amateur éclairé du ballet classique, de la danse contemporaines et de leurs codes. Nul besoin de connaître Casse-noisette, Le Lac des cygnes, Giselle ou La Bayadère… La Danse n’exige rien d’autre que la simple audace d’être curieux et d’accepter de se laisser guider derrière les portes de ce monde fascinant qu’est le Ballet de l’Opéra national de Paris.

Car c’est bien à une aventure humaine et artistique, mais aussi sociale et institutionnelle, que nous convie Frederick Wiseman, l’un des plus grands documentaristes du monde. Pendant douze semaines, il a posé sa caméra dans les coulisses de l’Opéra de Paris. Avec une pudeur qu’on imagine infinie, il s’est glissé au cœur de cet organisme bouillonnant, tout entier voué à la pratique de la danse, pour faire le portrait d’un art. Ce qu’il a su capter est tout simplement passionnant, car au-delà de la beauté de tous ces corps qui se meuvent avec une grâce divine, au-delà de cette recherche de la perfection à force de travail acharné et de discipline d’airain, il raconte aussi toute la force du ballet en tant que groupe, qui n’existe que par la présence de chaque danseur mais au sein duquel les individualités s’effacent humblement au profit de l’ensemble.
Ces danseurs, qui sont, comme le dit la directrice du ballet, à la fois « le cheval » et « le jockey », « le bolide » et « le pilote », sont le cœur battant de ce grand corps en action. On les voit répéter, refaire inlassablement les mêmes arabesques, s’arrêter pour souffler puis recommencer pour tenter d’atteindre le geste parfait. On les voit en duo se raconter des histoires incroyables où les mots laissent place aux mouvements pour décrire l’amour, la violence, le rejet, la douleur ou la séduction. On découvre les filles en nuée d’abeilles, dans des tutus qui pourraient sembler un peu ridicules si leur élégance, leur légèreté n’imposaient le respect, les garçons déguisés en petits soldats avec des collants moulants qui nous feraient gentiment sourire si leurs sauts ne s’élevaient aussi près des cieux…

Et puis il y a tout le reste, la description d’un lieu unique : l’Opéra Garnier, ses coupoles dorées, ses peintures qui s’écaillent, son labyrinthe de couloirs, ses innombrables salles de répétition où les corps suent devant les miroirs impitoyables… Et encore le réfectoire, perdu dans les entrailles, les ateliers de costumes, et même, spectacle étonnant, ces ruches installées sur les toits ! Sans oublier les chorégraphes, classiques mais aussi contemporains car l’opéra s’ouvre évidemment à la création actuelle. Et puis les professeurs, anciens danseurs reconvertis, qui commentent les entrechats, dissertent à l’infini sur la manière dont la technique de tel ou tel pas a évolué au cours des années.
Lorsque le film se termine, on a le sentiment très fort d’avoir approché quelque chose d’exceptionnel, l’impression exaltante d’avoir tutoyé la grâce et la beauté pures.

2012

critiques — Sun, 15 Nov 2009 11:03:19

Le film est réussi et prenant: les effets spéciaux sont très réussis. Malheureusement, on n'évite le petit travers des films américains: les gentils sont très gentils et réussissent, alors que les méchants sont punis à la fin. Le "gentil" de ce film est d'unetelle gentillesse, d'un tel altruisme, d'une telle perfection qu'il en devient mièvre et ridicule. Maif bref, on est pris dans l'histoire et ce n'est pas du tout mon genre de film. Petite déception: je pensai que c'était un film sur les mayas.... or pas un mot sur les prédictions mayas de fin de monde.

scénario: 16/20 acteurs: 16/20 technique: 16/20 note finale: 16/20

Les Mayas, l'une des plus fascinantes civilisations que la Terre ait portées, nous ont transmis une prophétie : leur calendrier prend fin en 2012, et notre monde aussi. Depuis, les astrologues l'ont confirmé, les numérologues l'ont prédit, les géophysiciens trouvent cela dangereusement plausible, et même les experts scientifiques gouvernementaux finissent par arriver à cette terrifiante conclusion.
La prophétie maya a été examinée, discutée, minutieusement analysée. En 2012, nous saurons tous si elle est vraie, mais quelques-uns auront été prévenus depuis longtemps...
Lorsque les plaques tectoniques se mettent à glisser, provoquant de multiples séismes et détruisant Los Angeles au passage, Jackson Curtis, romancier, et sa famille se jettent à corps perdu, comme des millions d'individus, dans un voyage désespéré. Tous ne pourront pas être sauvés...

Walter, retour en résistance*

critiques — Sat, 14 Nov 2009 11:05:47

J'a adoré cet excellent documentaire sur Walter, un résistant qui a été déporté à Dachau et qui inlassablement témoigne auprès des jeunes générations de ce qu'il a vécu. Le documentaire montre aussi que le programme de la résistance a été mis en place au sortir de la guerre et comment le gouvernement actuel détruit peu à peu chacun de ces acquis. En réduisant à néant une à une les dispositions et institutions républicaines mises en place par le CNR, ne risque-t-on pas justement de se mettre dans les conditions favorables à un recommencement de l'horreur ?

scénario: 18/20 note finale: 18/20

Qu'avons-nous fait des acquis du Conseil National de Résistance ? La sécu, les retraites par répartition, la nationalisation des besoins vitaux de l'économie, la séparation de la presse des pouvoirs d'argent... Voilà ce que le programme du CNR prônait dès 1943 et mettait en place dès 1945. Aujourd'hui mis à mal par notre gouvernement, Walter Bassan et ses camarades John Berger, Stéphane Hessel, Constant Paisant sont là pour faire front et dire NON à la casse systématique des services publics et des valeurs du CNR. N'en déplaise à Bernard Accoyer, pris en flag de langue de bois, qui tentera par tous les moyens de sauver sa crédibilité. Walter est aussi un sacré bonhomme qui nous rappelle que la résistance se pratique au quotidien, et ne manque pas de générosité pour nous transmettre son engagement...

Gilles PERRET - documentaire France 2009 1h24mn - avec Walter Bassan, Constant Paisant, John Berger, Stéphane Hessel...

Peuple de gauche, réjouis-toi ! Plus besoin de primaires ! On a trouvé le candidat idéal… Il a certes 82 ans, mais trêve de jeunisme, surtout si c’est Manuel Valls qui l’incarne… Notre candidat s’appelle Walter Bassan, c’est un ancien résistant communiste qui vit paisiblement dans une petite vallée savoyarde, et qui accomplit depuis toujours auprès des jeunes générations son travail de transmission de la mémoire en accompagnant régulièrement des lycéens à Dachau où il fut déporté.
Il se trouve que le voisin de Walter s’appelle Gilles Perret, cinéaste de son état (il nous avait beaucoup fait rire et réfléchir avec Ma Mondialisation, portrait édifiant d’un petit chef d’entreprise de la vallée de l’Arve, qui délocalisait en toute bonne conscience). Et Gilles depuis son enfance est fan de Walter et il a toujours voulu lui consacrer un film.

Cela aurait pu être un énième portrait tendre et touchant d’un vieux résistant qui n’a rien perdu de ses convictions… Mais (mal)heureusement Sarkozy s’en est mêlé en récupérant les grands symboles de la Résistance pour sa communication, imposant dans les écoles la lecture de la lettre du jeune communiste Guy Moquet, qui doit toujours s’en retourner dans sa tombe, faisant du Plateau savoyard des Glières, haut lieu de la Résistance, sa Roche de Solutré. Et là, la moutarde est quelque peu montée au nez de Walter et de quelques uns de ses glorieux camarades : Stéphane Hessel, ancien ambassadeur de De Gaulle, co-rédacteur de la Déclaration Universelle des Droits de l’Homme, Raymond Aubrac qu’on ne présente plus, ou le romancier anglais savoyard d’adoption John Berger. Colère et indignation, cette même indignation qui poussa Walter à risquer sa vie en combattant le nazisme alors qu’il avait à peine 17 ans. Et tous se sont dit qu’il était urgent de répondre dignement à Sarkozy et à ses alliés locaux (entre autres l’inénarrable Bernard Accoyer, shérif alpin mais aussi président de l’Assemblée Nationale) en organisant entre autres un rassemblement citoyen sur le Plateau des Glières, où près de 4000 personnes réaffirmèrent leur attachement au Programme du Conseil National de la Résistance.
Ce programme, cosigné par toutes les composantes de la Résistance, des gaullistes au communistes, préconisait entre autres la nationalisation de tous les secteurs vitaux de la nation (énergie, transports, poste etc…), instaurait la sécurité sociale et la retraite par répartition et exigeait que les grands médias échappent au contrôle des puissances de l’argent. Un programme que sabotent consciencieusement Sarkozy et son gouvernement tout en se prévalant de son aura, profitant de l’inculture historique des journalistes et de la classe politique, un programme qui pourrait servir de base à un vrai rassemblement des gauches antilibérales.

Walter, retour en résistance est donc le portrait bouleversant d’un homme droit, réservé et digne comme on en voit si peu, un film qui regorge aussi de moments drôles (on vous laisse découvrir la séquence où Sarkozy se couvre de ridicule en pleine cérémonie d’hommage aux morts de la Résistance, ou encore celle où Accoyer dévoile sa face de roquet hargneux contre le réalisateur) et de moments infiniment touchants comme celui où Stéphane Hessel rencontre une fillette kosovar (vous savez, de celles que le félon Eric Besson aime bien faire mettre en centre de rétention). En cela Walter, retour en résistance sonne non seulement comme un remarquable travail de mémoire mais aussi, c’est Raymond Aubrac qui le rappelle justement, comme « un élan d’optimisme » pour des jeunes générations dont les envies de résistance ne demandent qu’à être réveillées.
Déjà en 2004, une dizaine d’anciens résistants (dont Aubrac et Hessel) avaient lancé un appel aux jeunes générations « pour résister et créer » et ce dans la totale indifférence des médias et du grand public. Nous espérons, et nous ferons tout ce qu’il faut pour, que ce film contribuera à sonner le réveil citoyen

Le concert*

critiques — Sat, 07 Nov 2009 14:02:16

Ce film est une merveille! Il dure plus de deux heures mais on ne voit pas le temps passer. Tout est génial: le scénario, les acteurs, la mise en scène! Bref, une pure merveille! Ca change un peu des daubes qui sortent ces temps-ci...

scénario: 20/20 technique: 20/20 acteurs: 20/20 note finale: 20/20

A l'époque de Brejnev, Andrei Filipov était le plus grand chef d’orchestre d'Union soviétique et dirigeait le célèbre Orchestre du Bolchoï. Mais après avoir refusé de se séparer de ses musiciens juifs, dont son meilleur ami Sacha, il a été licencié en pleine gloire. Trente ans plus tard, il travaille toujours au Bolchoï mais… comme homme de ménage. Un soir, alors qu'Andrei est resté très tard pour astiquer le bureau du maître des lieux, il tombe sur un fax adressé au directeur : il s'agit d'une invitation du Théâtre du Châtelet conviant l'orchestre du Bolchoï à venir jouer à Paris… Soudain, Andrei a une idée de folie : pourquoi ne pas réunir ses anciens copains musiciens, qui vivent aujourd'hui de petits boulots, et les emmener à Paris, en les faisant passer pour le Bolchoï ? L'occasion tant attendue de prendre enfin leur revanche…

Radu Mihaileanu - France 2009 2h - avec Aleksei Guskov, Dimitry Nazarov, Mélanie Laurent, François Berléand, Miou Miou... Scénario de Radu Mihaileanu et Matthew Robbins. (Film en russe mais la plupart du temps en français).

À l’époque de Brejnev, Andrei Filipov était le plus grand chef d’orchestre d’Union soviétique et dirigeait le célèbre Orchestre du Bolchoï. Mais après avoir refusé de se séparer de ses musiciens juifs, dont son meilleur ami Sacha, il a été licencié en pleine gloire. Trente ans plus tard, il travaille toujours au Bolchoï mais… comme homme de ménage. Un soir, alors qu’Andrei est resté très tard pour astiquer le bureau du maître des lieux, il tombe sur un fax adressé au directeur : il s’agit d’une invitation du Théâtre du Châtelet conviant l’orchestre du Bolchoï à venir jouer à Paris… Soudain, Andrei a une idée de folie : pourquoi ne pas réunir ses anciens camarades musiciens, qui vivent aujourd’hui de petits boulots, et les emmener à Paris, après tout il n’y a pas si longtemps c’étaient eux le Bolchoï ? L’occasion tant attendue de prendre enfin leur revanche…

Plus de quatre ans après Va, vis et deviens, joli succès public et critique de 2005, le cinéaste Radu Mihaileanu nous revient dans un registre inattendu : la comédie. En racontant le récit improbable d’un Bolchoï de fortune parvenant à se rendre en France pour donner un ultime concert au Théâtre du Châtelet, le cinéaste nous fait le récit d’une supercherie qui sera l’accomplissement de toute une vie mais également la renaissance d’une jeune femme violoniste...
D’un sujet en or, Radu Mihaileanu tire un film un peu bancal avec quelques petits défauts qui en agaceront certains. Mais, car il y a évidemment un mais, le film regorge aussi de qualités, celles de son auteur : enthousiasme, sincérité… Ici, l’énorme est au service du burlesque, les clichés sont assumés et la caricature n’empêche ni la grâce ni l’émotion de percer dans un final miraculeux et bouleversant : le concert. Deux cuivres en retard, une douzaine de fausses notes qui font douter un Châtelet plein à craquer, une Mélanie Laurent apeurée, déstabilisée par cet orchestre de fortune qui cache un talent indéniable et enfin l’harmonie… parfaite. Le concerto pour violon de Tchaikovski, Op.35 s’élève, le dialogue entre les instruments nous submerge, le cinéaste ouvre les yeux sur ses comédiens et sur la force de son sujet, la musique est transcendée, sublimée, le morceau nous prend aux tripes et déballe en vingt minutes un concentré de sentiments contraires qui mêlent joie, tristesse, compassion, peur. Le chef d’orchestre nous dirige à la baguette, Mihaileanu nous bouleverse…

Les herbes folles*

critiques — Fri, 06 Nov 2009 18:19:26

Comme tout le monde parle de ce film comme de la huitième merveille du monde, je m'attendais à la huitième merveille du monde. En fait, c'est un film quelconque dont la principale qualité semble d'avoir été fait par un centenaire. merci papy! Mais bon, j'ai vraiment eu l'impression de regarger un téléfilm bavard, vous savez ces téléfilms allemands qui passent l'après midi à la télévision... Bref, déception et beaucoup debruit pour rien. Les acteurs sont bien et c'est bien filmé mais le scénario est faible, faible, faible et les acteurs n'arrivent pas à rendre cette histoire intéréssante. Dommage. Les herbes sont bien filmées. Et Sabine Azéma a une coiffure géniale. lol

scénario: 5/20 technique: 17/20 acteurs: 16/20 note finale: 11/20

Marguerite n'avait pas prévu qu'on lui volerait son sac à la sortie du magasin. Encore moins que le voleur jetterait le contenu dans un parking. Quant à Georges, s'il avait pu se douter, il ne se serait pas baissé pour le ramasser.

Alain RESNAIS - France 2009 1h45mn - avec André Dussollier, Sabine Azéma, Anne Consigny, Emmanuelle Devos, Mathieu Amalric, Michel Vuillermoz et la voix d’Édouard Baer... Scénario d’Alex Reval et Laurent Herbiet, librement adapté du roman « L’Incident », de Christian Gailly.

Une femme se fait voler son sac. Un homme trouve le portefeuille de cette femme dans un parking. Dans une histoire banale, l’homme irait porter le portefeuille au commissariat, qui alerterait la femme et chacun retournerait vaquer à ses occupations. C’est à peu près ce qui se passe au début du film. Sauf que ce n’est pas une histoire banale, parce qu’Alain Resnais est un aventurier de l’imaginaire et qu’il traque ce quelque chose d’étrange qui se cache dans la tête des gens, ces pulsions déraisonnables qui les font ressembler à des herbes folles, suffisamment vivaces pour s’infiltrer entre deux plaques de macadam. « Madame rêve », chantait Bashung. Ici, c’est Monsieur qui rêve. Georges Palet (irrésistible André Dussollier) est cousu d’enfance : des souvenirs d’émois cinématographiques, d’un nanar de Mark Robson avec William Holden, de sa passion pour les exploits d’Hélène Boucher, une aviatrice des années 1930. Il est habité par un passé criminel (réel ou fantasmé ?), flanqué d’une sage épouse qui le confine aux tâches ménagères (tondre la pelouse, repeindre la maison), fou de lectures dépaysantes (« Lire n’a jamais tué personne. Au contraire, ça aide à vivre »).

Cet homme-là vit dans un monde à la hauteur de son désir, un univers aux couleurs éclatantes – le film est un maelström de décors enchanteurs, de voitures rutilantes et de robes pimpantes. Dans ce monde-là, la vie est un roman, l’esprit flâne, la mémoire s’offre des récréations contemporaines.
Georges pense avec son inconscient, il se projette une rencontre convulsive avec une femme, celle dont il a trouvé le portefeuille. Attentif à capturer l’illusion, Alain Resnais n’a jamais cessé d’être un disciple d’André Breton et un arpenteur de l’évasion surréaliste, à l’affût d’une imprévisible rencontre, de la sarabande du désir. Les Herbes folles est la version allègre de Cœurs, où la quête de l’âme sœur était crépusculaire.
C’est aussi une comédie, où la voix intérieure du protagoniste tourmenté fait assauts de facéties avec une autre voix, celle d’un narrateur espiègle (Edouard Baer), qui rappelle que ces petits jeux passent par le langage. Ainsi de l’extase de Sabine Azema s’offrant une paire de chaussures : « En prenant son pied, la vendeuse lui donnait un vague plaisir. » La récréation verbale est maîtresse de raison, le delirium sentimental se fait folle du logis.
Georges Palet se fait des idées. Intrigué par ce portefeuille trouvé, il est bientôt obnubilé par sa propriétaire, s’improvise détective, s’évade en pensées de son pavillon conformiste pour s’inventer des escapades abruptes. Il se met dans le crâne que la dame mise par le hasard sur son chemin est une potentielle complice de troubles exquis, d’émois interdits, que leurs solitudes (encore que la sienne soit toute relative : il a ce qu’on appelle une vraie famille) vont cristalliser un fantasme commun. Il n’en est rien. « Vous n’avez pas envie de me rencontrer ? », lui lâche-t-il, amer, au téléphone. « Vous me décevez beaucoup ! »

Dentiste de son état, Marguerite Muir le déçoit, en effet. Elle le remercie poliment, l’éconduit, ne répond pas à ses lettres. Il la harcèle, la pousse à faire intervenir la police. D’une cascade de drôles de quiproquos, Alain Resnais dérive jusqu’au dernier tiers du film dans un récit où le songe côtoie l’absurde, où le héros marche à reculons, les yeux fermés et fait resurgir l’insaisissable à l’improviste (« Vous m’aimez, alors ? »). Variations sur les binômes (deux flics, deux dentistes), scènes conjugales déminées, baiser hollywoodien sur fond sonore de générique de la Twentieth Century Fox et extases aériennes avec voltiges et braguette ouverte soulignent la créativité d’un cinéaste à l’esprit aussi ludique et libre que fasciné par le mystère des paysages mentaux…

The box

critiques — Wed, 04 Nov 2009 10:47:43

C'est la saison des navets en ce moment! Et hop, un de pus. jene doute pas que certains vont chercher midi à 14H pour ce film et y voir les choses les fantaisistes telles que la dénonciation du capitalisme, etc... etc.. Moi, tout ce que j'y ai vu, c'est un scénarioà mourrir d'ennui et à dormir debout. Et c'est bavard, bavard, bavard... bref, j'ai détesté.

scénario: 5/20 technique: 16/20 acteurs: 8/20 note finale: 3/20

Norma et son époux mènent une vie paisible dans une petite ville des Etats-Unis jusqu'au jour où une mystérieuse boîte est déposée devant leur domicile. Quelques jours plus tard, se présente l'énigmatique Mr. Arlington qui leur révèle qu'en appuyant sur le bouton rouge de la boîte, ils recevraient un million de dollars, mais cela entraînerait la mort d'un inconnu...

Le ruban blanc* Titre original : Das Weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte

critiques — Tue, 03 Nov 2009 11:59:10

La palme de Cannes 2009 et comme d'habitude j'ai été très déçue. c'est chaint, il n'y a pas d'autre mot.Tout le monde a crié "ho génie " et moi, je trouve ça, très quelconque. Si le film faisait une heure de moins, il serait peut-être intéressant mais là.... c'est long long long. D'un point de vue esthétique, c'est intéressant, les acteurs sont bons et c'est bien filmé, mais la sauce ne prend pas. Il manque une point de génie.

scénario: 10/20 technique: 18/20 acteurs: 17/20 note finale: 10/20

Un village protestant de l'Allemagne du Nord à la veille de la Première Guerre mondiale (1913/1914). L'histoire d'enfants et d'adolescents d'une chorale dirigée par l'instituteur du village et celle de leurs familles : le baron, le régisseur du domaine, le pasteur, le médecin, la sage-femme, les paysans... D'étranges accidents surviennent et prennent peu à peu le caractère d'un rituel punitif. Qui se cache derrière tout cela ?

DAS WEISSE BAND) Écrit et réalisé par Michael HANEKE - Autriche 2009 2h25mn - avec Rainer Bock, Susanne Lothar, Christian Friedel, Leonie Benesch, Ulrich Tukur, Ursina Lardi, Burghart Klaussner... PALME D’OR, FESTIVAL DE CANNES 2009.

C’est sans doute LE chef d’œuvre (on assume nos superlatifs) du mutli-récompensé Michael Haneke (avant sa Palme d’Or pour ce Ruban Blanc, il reçut à Cannes le Prix de la Mise en Scène pour Caché et le Grand Prix du Jury pour La Pianiste). Un film d’une maîtrise, d’une rigueur, d’une force époustouflantes, qui crée tout en suggestion un climat d’effroi et d’oppression, qui raconte comment l’enfance peut être mutilée par un système social fermé et hiérarchisé à outrance, claquemuré dans ses interdits.
Le Ruban Blanc se situe au cœur de l’Allemagne rurale du Nord, dans les années 1913/1914. Un pays étouffant magnifiquement rendu par le noir et blanc d’Haneke, un pays qui pourrait évoquer les phrases de Brel qui parlait de la Flandre avec « un ciel si bas qu’il fait l’humilité ». Un pays encore marqué par les anciennes féodalités, où la société est structurée à l’extrême avec à sa tête le baron, et ses relais intermédiaires : médecin, pasteur, instituteur… Le tout dans le respect de la religion protestante la plus rigoriste, celle qui impose aux enfants le respect absolu du père (même quand celui-ci court la gueuse en cachette), la répression des premiers désirs (les adolescents dorment les mains attachées, au cas où des envies nocturnes les pousseraient vers des plaisirs solitaires).

Dans ce contexte immuable et immobile, soudain l’inattendu s’invite. Le médecin est victime d’un accident de cheval, renversé par un mystérieux fil tendu en travers du chemin. Puis un potager est saccagé, un pauvre colibri est massacré à coups de ciseaux, et un jeune handicapé est kidnappé et horriblement torturé… Autant d’évènements inexpliqués, et il ne faut évidemment pas compter sur Michael Haneke pour réunir les protagonistes dans une scène finale et révéler le ou les coupables. Haneke réalise un thriller historique et politique, pas un polar à intrigue. Ce qui l’intéresse, c’est de montrer la montée insidieuse du mal dans une société qui se croyait indestructiblement solide sur ses assises morales, mais qui n’a laissé aucune place dans les relations humaines aux sentiments et à leurs débordements, qui a volontairement nié l’irrationnel et la place du désir, et leur capacité à faire progresser l’humanité.

Et Haneke filme tout ça à travers le prisme de l’enfance, cette enfance que les adultes ont, à force de vouloir préserver l’innocence (ce ruban blanc que les deux enfants du pasteur doivent porter durant une année probatoire pour expier leurs menus pêchés passés), totalement détruite. Le seul espoir pourrait venir de l’instituteur, le narrateur, voix éclairée dans un océan d’obscurantisme et seul lien avec des enfants qu’ignorent leurs parents. Mais celui-ci parviendra-t-il à ne pas abdiquer face à l’horreur qui s’annonce ? Car le film s’achève en 1914, alors que s’annonce le cataclysme des armes pour une Allemagne que les frustrations feront basculer dans le nazisme deux décennies plus tard… Les chères têtes blondes du film seront probablement les serviteurs du totalitarisme.
Car c’est là l’un des messages forts du film : la censure, l’absence de liberté, le puritanisme… nourrissent la haine de soi et donc des autres pour construire les totalitarismes de demain.

Clones

critiques — Mon, 02 Nov 2009 11:54:09

Une heureuse surprise et on se laisse prendre au jeux. J'ai bien aimé même si à priori ce n'est pas du tout mon genre de film.

scénario: 16/20 acteurs: 16/20 technique: 16/20 note finale: 16/20

Deux agents du FBI enquêtent sur le meurtre mystérieux d'un étudiant, qui semble lié à l'homme qui a contribué à mettre au point une invention qui s'est imposée dans toute la société : les gens peuvent désormais acheter des versions robotisées d'eux-mêmes, des doubles sans défaut qui, commandés à distance, effectuent leurs tâches à leur place et leur permettent de vivre par procuration sans quitter le confort et la sécurité de leur domicile.
Cette révolution technologique soulève beaucoup de questions, dont la première va vite devenir préoccupante : dans un monde d'apparences qui est réel, à qui peut-on faire confiance ?

Cineman

critiques — Sun, 01 Nov 2009 11:46:52

Le réalisateur a visiblement voulu se faire plaisir... malheureusement, c'est tout. Le film est bof, bof, bof. Franck Dubosc fait ce qu'il peut mais le scénario est tellement ridicule qu'il ne sauve pas ce film d'un ennui total. Le pire je crois c'est que le film est "doublé" comme dans les films américains mais c'est trés mal fait (à moins que ce soit une erreur de la bande son qui ne corresponds pas au film???????). Pierre Richard est bien mais les autres acteurs, bof bof. Nous étions 7 dans la salle et personne ne riait. Trés ennuyeux.

scénario: 2/20 acteurs: 7/20 technique: 6/20 note finale: 5/20

Professeur de mathématiques, Régis Deloux a un jour le pouvoir de voyager dans les films où il rencontrera enfin la femme de ses rêves.

Régis Deloux est donc professeur de mathématiques à Montreuil. Un jour, après s'être piqué le doigt avec une broche ayant appartenu à l'impératrice Sissi, il se découvre la faculté de voyager dans les films, au gré de ses envies. C'est alors que Fernandel l'appelle et lui demande d'aller au secours de son amie , prisonnière d'un psychopathe dans un film muet de 1917. Régis, pour la retrouver, va devoir remonter toute l'histoire du cinéma, des Buster Keaton à Taxi Driver en passant par les westerns spaghetti, les péplums, où encore les comédies musicales.

Michael Jackon This is it!

critiques — Fri, 30 Oct 2009 11:35:31

Je ne donnerai pas de note à ce film visiblement fait à la va vite pour exploiter à fond la mort de MJ. J'adore MJ alors de toute façon, j'adore ses musiques etc... etc... On le voit danser, chanter et d'après ce qu'on voit, il était loin d'être mourrant... le spectacle aurait été merveilleux. Ils auraient tout de même pu faire un genre de final dans ce film qui s'arrête brusquement. Un film constitué des images des coulisses des dernières répétitions de Michael Jackson.

Michael Jackson THIS IS IT offrira aux fans de Michael Jackson et aux amoureux de musique un témoignage rare sur l’interprète en train de développer, créer et répéter pour ses concerts (tous complets) qui auraient dû se dérouler à compter de cet été à l’O2 Arena de Londres. Chronique des mois d’avril à juin 2009, le film est tiré de plus d’une centaine d’heures de séquences filmées en coulisses, présentant Michael Jackson répétant plusieurs de ses chansons pour le spectacle. Le public aura un regard privilégié et privé sur le chanteur, danseur, réalisateur, architecte et génie lorsqu’il créait et perfectionnait son dernier spectacle.

Mademoiselle Chambon*

critiques — Wed, 28 Oct 2009 10:40:33

Un film intimiste très réussi!! Les acteurs jouent divinement bien. L'amour impossible entre une institutrice et un maçon est décrit de façon nuancé et sensible. Le scénario est parfait. C'est très bien filmé. C'est parfait. Bon, si vous aimez les films d'action où ça castagne dans tous les sens, vous n'allez peut-être pas aimer ce film.

scénario: 19/20 acteurs: 19/20 technique: 19/20 note finale: 19/20

Jean est quelqu'un de bien : un bon maçon, un bon fils, un bon père et un bon mari. Et dans son quotidien sans heurt, entre famille et travail, il croise la route de Mademoiselle Chambon, l'institutrice de son fils. Il est un homme de peu de mots, elle vient d'un monde différent. Ils vont être dépassés par l'évidence des sentiments.

Stéphane BRIZÉ - France 2009 1h41mn - avec Vincent Lindon, Sandrine Kiberlain, Aure Atika, Jean-Marc Thibault, Arthur Le Houérou, Bruno Lochet... Scénario de Stéphane Brizé et Florence Vignon, d'après le roman d'Éric Holder (Éd. Flammarion).

Stéphane Brizé est un enchanteur… Il n'a pas besoin de raconter des histoires rocambolesques pour nous émerveiller : les choses simples de la vie, des gens tout modestes comme ceux qu'on croise tous les jours, des vies plutôt ordinaires même quand l'amour vient tout à coup perturber le rythme habituel de leur cœur. Mais c'est là que Brizé est formidable, parce qu'il nous rend l'ordinaire sublime. Question de regard, question d'un intérêt réel pour les gens.
C'est l'histoire d'un maçon, Jean, un timide, un bosseur, un type qui a pour culture de bâtir sa vie comme ses maisons : du solide, du respectueux, fait pour résister aux tornades du temps. Il adore son fils et s'il cause pas trop avec sa femme, ni avec personne d'ailleurs, c'est juste que sa vie parle pour lui, que la parole n'est pas facile, qu'il y a cette foutue pudeur qui empêche toute sa sensibilité de se laisser voir.

Et puis Mademoiselle Chambon déboule un jour. Elle est une institutrice nomade qui se déplace au gré des postes à combler, une solitaire que les gamins aiment tout de suite. Elle vit seule avec son violon et son mystère… elle n'a pas l'air malheureuse et c'est bien ça qui intrigue le plus : a-t-elle une vie ailleurs, qu'espère-t-elle de la vie ? Quelle est son histoire ?… Quand elle invite Jean à venir parler de son boulot de maçon devant sa classe, Jean trouve ses mots : ce métier-là, son métier, il en est fier… Et on réalise qu'il y a, entre le maçon et l'institutrice, quelque chose qui se passe, au-delà même de l'élan des cœurs, quelque chose qui pourrait ressembler à une inévitable connivence née de leur rapport à la vie, aux choses, au temps… Et quand il l'entend jouer du violon, l'émotion que procure la beauté leur devient un trait d'union de plus.
Kiberlain et Lindon sont vraiment exceptionnels, genre travail en finesse à l'unisson de tout le reste : les images, la musique…

Le Bleu des villes, Je ne suis pas là pour être aimé, Entre adultes… on aime Brizé depuis le tout premier de ses films : parce qu'il dit comme personne les incertitudes du cœur, les doutes, toutes ces choses très humaines et très universelles qui nous ressemblent et nous rassemblent. Et toujours ces sentiments qui repoussent, qu'on le veuille ou non, comme les herbes folles et viennent perturber des équilibres rassurants qu'on croyait immuables.

Intervien du réalisateur:

Comment est née cette histoire ?

Florence Vignon, ma coscénariste, m’avait fait découvrir le livre de Eric Holder il y a une dizaine d’années. Je l’avais lu, aimé mais j’aurais été bien incapable de l’adapter à cette époque-là. Pas assez de bagage en tant que cinéaste et trop peu de choses vécues dans ma vie personnelle pour parfaitement comprendre ce que ressent le personnage principal. La vie s’est chargée de me mettre à niveau.

C’est une histoire très simple. Pourquoi vous fallait-il ce livre pour écrire le
scénario ?

Un maçon, marié à une femme qu’il aime tombe amoureux de l’institutrice de son fils. C’est effectivement une histoire simple. Ce n’est donc pas l’intrigue qui m’a happé mais la manière dont Eric Holder traduisait les émotions de ces gens modestes. Avec ses outils de romancier, il parlait de ces personnes avec une fragilité et une émotion qui semblaient me dire : «Voilà ce que tu dois filmer, c’est à cela que tu dois oser te confronter». Avec Florence Vignon, nous nous sommes alors mis au travail pour adapter ce livre. Et à l’arrivée, nous ne l’avons sans doute pas adapté. J’ai fait parvenir le scénario à Eric Holder lorsque nous avons achevé notre travail. En retour, il nous a écrit une très belle lettre dans laquelle il nous disait : «c’est moins une adaptation qu’un prolongement, qu’un enrichissement, qu’un dévoilement d’une émotion que le roman tâchait de transmettre».

Vous n’avez pas eu envie de travailler avec l’auteur ?

Non. Pour moi, le roman était comme une inspiration. Comme un parfum ou une image qui déclenche une émotion. Le roman d’Holder se prêtait d’ailleurs très bien à la «trahison» car il ne s’agit pas d’une intrigue habilement ficelée. Il s’agit de la voix intérieure des personnages au coeur d’une histoire extrêmement simple. Alors avec Florence Vignon, en plus de développer le récit du point de vue de Jean - alors que le roman met l’institutrice beaucoup plus au centre de l’histoire - nous avons réinventé au moins le dernier tiers de l’histoire.

Le film ne se finit donc pas comme le livre ?

Si, parce que les personnages sont traversés par à peu près les mêmes émotions que celles du roman mais non parce que cette fin n’est pas du tout construite de la même manière. Je crois qu’il faut parfois savoir trahir un livre pour transformer le plus justement une émotion littéraire en émotion cinématographique. Nos outils de narration sont tellement différents qu’une adaptation littérale d’une oeuvre est bien souvent une erreur. Enfin, c’était le cas pour ce roman. Il ne faut pas faire de généralités.

Vous dites souvent que vos personnages sont très psychanalysés. Est-ce
toujours le cas ?

Oui, tout à fait. Il est très important pour moi de savoir combien ils ont de frères et soeurs, quelle place ils occupent dans la fratrie, quelles sont leurs relations avec leurs parents, etc… Même si tout cela reste complètement implicite dans le film. Ce sont des repères pour Florence et moi afin de comprendre où ils en sont au début de l’histoire et les raisons pour lesquelles ils vont agir dans un sens ou dans un autre. Tout doit être parfaitement cohérent.

Jean, comme les personnages principaux de vos autres films, a une prise de conscience. Vous pensez qu’il est passé à côté de sa vie ?

À chaque fois qu’une histoire se structure dans mon esprit, elle se bâtit autour d’une prise de conscience et d’un choix à faire. Mais le cas de MADEMOISELLE CHAMBON est un peu différent de mes précédents films : autant il émanait des personnages de mes autres films une tristesse évidente, autant Jean, au départ, n’est absolument pas malheureux. Jean, comme nous tous, est le fruit d’une éducation, d’un milieu, avec ses codes et ses principes. Il a une vie simple mais qui ne semble pas lui peser. Il y a évidemment le poids de la routine dans son quotidien - comment y échapper ? - mais il n’y a pas un ennui écrasant. Il y a juste tout un pan de lui-même qu’il ne connaît pas et qu’une rencontre fortuite va révéler en même temps qu’il verra vaciller l’ensemble de ses certitudes. Filmer le quotidien de Jean et de sa famille était pour moi une vraie difficulté par rapport à mes autres films car, pour la première fois, je devais filmer des gens heureux. En tous cas, des gens chez lesquels on ne sent pas de tensions ni de réels malaises au début du film. Je ne redoute pas de filmer le conflit car j’en maîtrise la mécanique et cela a quelque chose de «spectaculaire». Mais filmer quelque chose d’harmonieux entre deux êtres, sans ennuyer les spectateurs ni tomber dans la mièvrerie, cela m’inquiétait absolument. Pour y parvenir, il fallait juste que je cesse d’avoir peur des choses qui vont trop bien.

Pourquoi avez-vous choisi de tourner en Scope ?

Nous avons d’abord commencé par faire des essais avec un format moins large. Mais tout au long de ces essais de pellicule, je me suis senti frustré, j’avais constamment envie de repousser les bords du cadre, je me sentais à l’étroit dans un format plus petit. Alors, à un moment, j’ai voulu essayer le cadre «cinémascope». Et dès les premières images, je me suis senti à l’aise, les personnages trouvaient naturellement leur place dans le cadre. Cela a donné de l’ampleur au film, une dimension «épique» à une histoire très simple.

Avez-vous le sentiment d’avoir pris des risques ?

Capter des émotions extrêmement fragiles ne peut se faire qu’en prenant des risques : j’aime savoir dans quelle direction nous allons avec les comédiens mais pas exactement comment. Il y a un texte mais surtout pas appris par coeur, pas de répétition, on connaît juste les enjeux de la scène et on tourne. Pour moi, les moments de vérité ne peuvent apparaître que dans ces moments d’incertitude. Et finalement, je me rends compte que moins je fixe de choses en amont, plus le résultat ressemble à la sensation idéale que j’avais en tête avant de tourner. Sur ce projet, le risque concernait aussi le sous-texte.
Car bien plus que dans mes autres films, il y a beaucoup de scènes où les véritables enjeux ne se trouvent pas dans ce que se disent explicitement les personnages, mais entre les lignes. Il fallait alors faire infiniment confiance à la force de la situation sans avoir peur d’un premier degré de texte parfois sans enjeux apparents.

Quel a été votre travail sur la lumière et les couleurs ?

Cette fois-ci, bien plus que sur mes films précédents, j’ai été attentif aux couleurs des costumes et des décors. Non pas que je m’en sois désintéressé par le passé mais mon chef opérateur, Antoine Héberlé, m’a offert, pour ce film, un espace de dialogue qui m’a permis d’aller bien plus loin que d’habitude. À l’arrivée, le magnifique travail qu’il a réalisé sur l’image permet, me semble-t-il, que ce film réaliste soit plus beau que la réalité, tout en respectant la vérité des lieux et des costumes.

Film après film, on observe chez vous une manière de raconter les histoires qui se passe de scènes de transition, les ruptures sont assez radicales entre les séquences.

Je suis obligé de procéder comme cela. Puisque j’aime prendre mon temps à l’intérieur des séquences,je suis obligé de dynamiser le récit pour ne pas ennuyer le spectateur.Les séquences de transition qui existent dans le scénario et qui sont tournées disparaissent très vite au montage pour ne garder que l’essentiel.

Pourquoi Vincent Lindon ?

Parce qu’il me touche profondément. Vincent a cette incroyable qualité, c’est que tout ce qu’il nous montre de lui nous parle de nous : de nos forces, de nos faiblesses, de nos peurs et nos certitudes, bref de notre humanité. Cet homme est fait de puissance et de fragilité et il le montre sans fard. Cela le rend extrêmement puissant et émouvant à l’écran. Ensuite, Vincent a cette façon rarissime d’être aussi crédible en patron qu’en ouvrier. Je lui ai mis une truelle dans les mains et il est devenu maçon. Et comme il est très habile, il ne lui a pas fallu faire trois mois de stage pour savoir poser un mur de briques. Pour moi, c’était important que l’ouvrier soit crédible tout de suite, que ses gestes soient vrais, que je puisse le filmer dans la longueur en train de travailler. En lui proposant le rôle, je ne savais pas encore à quel point nous allions avoir une relation si forte sur le plateau.

C’est à dire ?

C’est à dire que d’une manière très troublante, je comprends tout ce qu’il ressent et je crois que c’est assez réciproque. Du coup, nous pouvions parfois batailler dur pour trouver la justesse d’une scène mais sans jamais nous opposer car je crois que nos vérités intérieures sont très similaires.

En confiant le rôle de l’institutrice à Sandrine Kiberlain, n’avez-vous pas eu peur qu’on vous reproche une volonté de manipulation ?

Je ne doute pas que certaines personnes vont voir dans mon choix ce que vous appelez de la manipulation. Seulement je ne vois pas où est la manipulation en prenant un couple séparé pour jouer un couple amoureux. J’appellerais cela surtout de la pure inconscience. La réalité est bien plus simple que cela. A partir du moment où Vincent était sur le projet, j’ai essayé d’imaginer les comédiennes, d’abord intéressantes pour le rôle, et ensuite avec lesquelles Vincent formerait un couple fort. Et j’ai très vite pensé à Sandrine. C’est une des comédiennes françaises les plus douées et elle a un mystère qui la rend absolument bouleversante. J’avais besoin de ce mystère pour le personnage. J’en ai évidemment parlé à Vincent avant de contacter Sandrine. Et il m’a dit : «Je ne nie pas que cela sera déstabilisant de jouer cette histoire avec Sandrine, mais si tu penses que c’est la bonne personne, je ne peux pas m’y opposer. C’est une actrice exceptionnelle et je ne peux pas imaginer, qu’à cause de moi, elle passe à côté d’un aussi beau rôle». J’ai donc fait parvenir le scénario à Sandrine et j’ai eu la chance qu’elle accepte. Ils en ont sans doute parlé ensemble mais cela ne regarde qu’eux.

Et puis il y a Aure Atika qui joue Anne-Marie, la femme de Jean, ouvrière dans une usine. Un rôle absolument inattendu pour cette comédienne.

Oui, sans doute inattendu parce que dès lors qu’on a une étiquette sur le dos, il est quasiment impossible de la décoller. Et puisque Aure est une très jolie femme, on lui a fait jouer beaucoup de rôles uniquement en rapport avec ça. C’est sans doute compréhensible mais même si je ne suis pas complètement aveugle, je me suis aussi permis de voir autre chose chez elle. Un mélange de force, de gentillesse et de modestie. Tout ce qui caractérisait pour moi le personnage d’Anne-Marie.

Autour de ces personnages centraux, il y a Jean-Marc Thibault qui joue le père de Jean.

Il me fallait bien sûr un comédien d’un certain âge qui ait à la fois une rugosité apparente et que l’on perçoive en même temps un bon fond chez lui. Pour moi, c’était Jean-Marc Thibault. Je dois avouer que c’était très émouvant pour moi de travailler avec lui parce que je me souviens de son duo avec Roger Pierre que je voyais souvent quand j’étais gamin le samedi soir dans les émissions de Maritie et Gilbert Carpentier.

Vous avez la réputation d’être un très bon directeur d’acteurs. Comment travaillez-vous avec eux ?

Les comédiens, vous essayez de bien les choisir, vous leur montrez que vous les aimez et 80% du chemin est fait. Il ne vous reste ensuite qu’à tenter de placer la caméra au bon endroit, et d’être un peu attentif à ce qui se dit. Et si en plus les comédiens ne connaissent pas leur texte, ça m’aide beaucoup. Mais si parfois un metteur en scène peut aider des comédiens à être encore meilleurs, il ne faut pas oublier que les grands acteurs obligent aussi un metteur en scène à être bon.

Pour autant, on décèle dans ce film autre chose chez eux que ce que nous avons l’habitude de voir.

L’intérêt, c’est justement d’aller un peu ailleurs, de faire autrement que ce que l’on a déjà vu. Pas faire différent pour faire différent. Mais faire différent parce que je regarde les choses et les gens avec mes deux yeux à moi. Un regard qui n’est pas plus juste ni moins juste que les autres, il est simplement plein des creux et des bosses de mon histoire. Et dans ce petit espace de liberté, presque absolue, que j’ai la chance de vivre entre le début et la fin d’une prise, je cherche à capter quelque chose de très invisible, quelque chose qui se cache entre les mots, dans les silences et les hésitations. Quelque chose qui a à voir avec des petits moments de vérité. Alors j’essaie de gommer tout ce qui peut relever du jeu, du savoir faire et je demande aux acteurs de se parler et de s’écouter. C’est peut-être cela à l’arrivée qui donne l’impression qu’ils ne sont pas tout à fait comme on a l’habitude de les voir.

Quel est le message du film ?

Mon propos n’est pas de distiller des messages mais de raconter des histoires avec l’envie d’émouvoir les spectateurs. Après il n’est pas interdit aux gens de faire résonner cette histoire avec la leur et de peut-être se poser au moins une question. Mais ils choisiront laquelle. Moi, je regarde, je suis un observateur et je retranscris. Jean est un homme peu à l’aise avec les mots et l’expression des sentiments. Il est alors intéressant et émouvant de regarder comment il va réagir face à une émotion qui le submerge et un dilemme qui s’impose à lui. Partir ou rester, voilà le choix qu’il va avoir à faire, avec toutes les bonnes raisons qui peuvent pousser un être humain à agir d’une manière ou d’une autre. Je ne suis évidemment pas là pour juger mais pour observer le plus attentivement possible les tourments qu’engendre une situation exceptionnelle. Et celle-ci l’est évidemment pour Jean.

Au fond, Jean tombe amoureux du violon ou de la femme qui en joue ?

Il tombe évidemment amoureux de Mademoiselle Chambon. Mais le violon joue un rôle important car, si Jean est très vite troublé par cette femme, c’est au moment où il l’entend jouer du violon qu’il bascule littéralement. Ce violon fait tomber des barrières et fait découvrir à Jean tout un espace de sensibilité qu’il ignorait lui-même. Et à partir de cet instant, c’est comme s’il sautait dans le grand bain sans savoir nager.

Sandrine Kiberlain a donc dû apprendre à jouer du violon ?

C’était indispensable pour le rôle. Et Sandrine a fait un travail impressionnant. Car il n’y a pas plus difficile comme instrument que le violon. Alors bien sûr, elle joue en playback mais il s’agissait que son geste soit précis et qu’elle soit parfaitement synchrone – main droite et main gauche – pour que l’on croie vraiment que la musique sort de son instrument. Ce fut cinq mois de travail quotidien avec Hélène Roblin, violoniste à l’Opéra de Paris, accompagnée de Cécile Moreau, pour parvenir à ce résultat. Un travail de fourmi, où le morceau de musique est décomposé en petits segments, répétés inlassablement, avant d’être mis bout à bout et répétés à nouveau sans fin.

Comment avez-vous choisi les musiques ?

Bien que la musique joue un rôle central dans le film, il y en a finalement assez peu. Il y a deux morceaux que joue Sandrine et un autre qu’elle écoute avec Jean. Dans le roman, Mademoiselle Chambon joue du Bartok. J’ai tout de suite écarté cette idée car je voulais entendre quelque chose de mélodique. J’ai fait appel à un conseiller musical (Ange Ghinozzi) à qui j’ai expliqué que je cherchais des morceaux de violon mélancoliques, non virtuoses et pas sucrés. Je lui ai dit que pour moi, les notes qui sortent du violon de Véronique Chambon sont comme les mots qu’elle pourrait adresser à Jean. C’est sa manière à elle de lui dire pudiquement des choses. Je savais aussi que le premier morceau qu’elle joue devant Jean allait devenir le thème du film et être repris deux autres fois au cours du récit avec des orchestrations différentes. Ange m’a fait écouter des dizaines de choses et j’ai finalement choisi, pour la scène où elle joue dans son appartement, un morceau de Franz von Vecsey (connu aussi sous le nom de Ferenc von Vecsey), un compositeur hongrois du début du siècle. Pour la scène de l’anniversaire, il s’agit d’Edward Elgar, un compositeur anglais qui a vécu à cheval sur le XIXème et le XXème siècle. Ces deux morceaux sont pleins d’une grâce mélancolique et l’interprétation d’Ayako Tanaka nous permet de rester sur le fil de l’émotion sans jamais basculer dans la mièvrerie. En fait, elle joue du violon comme jouent les acteurs. C’est-à-dire sans aucun sentimentalisme.

Et c’est pourtant un film sentimental.

Infiniment sentimental. Mais autant j’adore les sentiments, autant je déteste le sentimentalisme. Une des difficultés majeures pour moi était là. Rendre compte du sentiment amoureux sans jamais basculer dans le sentimentalisme. J’ai dû ne pas avoir peur de l’émotion sans jamais aller la chercher de force. La laisser venir à son rythme sans jamais rien brusquer.

Vous aviez des références en tête ?

Quand on évoque une rencontre entre deux êtres qui se sont ratés, il est difficile de ne pas penser à SUR LA ROUTE DE MADISON de Clint Eastwood. La scène où Meryl Streep a la main sur la poignée de la portière de la voiture au moment où elle doit décider de partir ou rester est complètement déchirante. C’était ma référence lacrymale.

Vous avez noué une vraie relation de fidélité avec vos producteurs. Leurs interventions tout au long de la fabrication du film sont-elles importantes ?

Elles sont absolument nécessaires. J’ai besoin de cette relation de confiance et de travail où nous ne nous laissons jamais rien passer. J’ai besoin de vrais producteurs à mes côtés, des gens qui ont un point de vue. Miléna Poylo et Gilles Sacuto font partie de ces gens-là. Depuis les toutes premières lignes du scénario jusqu’au mix final, ils m’accompagnent en me questionnant, en me soutenant, en me faisant confiance et parfois aussi en me rassurant. Cela fait douze ans que nous travaillons ensemble et, ce qui me touche infiniment dans notre relation, c’est que je nous vois évoluer et progresser de film en film. Nous grandissons ensemble, côte à côte. Et c’est une des belles histoires de ma vie.

Fame

critiques — Tue, 27 Oct 2009 11:12:35

Comparé à la série tv, j'ai trouvé le film un peu léger. Mais on ne s'ennuie pas, c'est bien filmé et bien joué. Tout cela reste bien superficiel et le scénario est un peu léger, mais ça chante et ça danse et c'est distrayant.

scénario: 14/20 technique: 16/20 acteurs: 16/20 note finale: 16/20

Véritable réinvention du film culte oscarisé, Fame livre un portrait bouillonnant d'énergie et visuellement époustouflant de jeunes artistes décidés à imposer leur talent et à trouver leur voie.

Tempête de boulettes géantes

critiques — Mon, 26 Oct 2009 17:54:49

Un petit film d'animation qui ravira les petits et les grands même si la fin est un peu longue. Mais un grand garçon de 5 ans de mon entourage a ri aux éclats une bonne partie du film (et qui lui met 20/20). Donc, je le recommande aux enfants.

scénario: 16/20 technique: 16/20 acteurs: 16/20 note finale:16/20

L'histoire de Flint Lockwood, un ingénieur loufoque qui tente de trouver des solutions pour vaincre la faim dans le monde. L'une de ses inventions va provoquer une pluie soudaine de nourriture et déclencher des catastrophes à l'échelle mondiale...

Lucky lucke

critiques — Sun, 25 Oct 2009 11:00:33

Les acteurs et les décors sont formidables mais malheureusement, le scénario est un peu léger et les dernières scènes du film situées dans un casino au milieu du désert sont particulièrement débiles... Ca manque de Dalton et de Rantanplan.

scénario: 12/20 acteurs: 16/20 technique: 16/20 note finale: 14/20

Au cours de sa mission à Daisy Town, la ville qui l'a vu grandir, Lucky Luke, "l'homme qui tire plus vite que son ombre", va croiser Billy The Kid, Calamity Jane, Pat Poker, Jesse James et Belle...

Rose et noir

critiques — Sat, 24 Oct 2009 16:37:37

Les costumes et les décors sont très réussis mais pour le reste,c 'est assez pitoyeble. Gérard Jugnot fait du Gérard Jugnot, c'est à dire que par moment il hurle comme un cochon qu'on égorge... Le film partait d'une bonne intention mais on s'ennuie. Le scénario est bâclé et les acteurs sont bof, bof. On peut s'en passer.

scénario: 5/20 technique: 16/20 acteurs: 5/20 note finale: 7/20

En 1577, Pic Saint Loup, grand couturier sur le déclin, se voit confier par le roi Henri III, une mission diplomatique : il doit confectionner sa plus belle robe de cérémonie pour le mariage arrangé d'un de ses neveux avec la fille d'un Grand d'Espagne. Dans une Espagne catholique intégriste qui traque protestants, maures, juifs et homosexuels, Saint Loup va se mettre en chemin entouré de ses gens. Ce qu'il ignore, c'est qu'il part avec un protestant, son fidèle secrétaire, bien décidé à cacher une bombe dans la robe pour venger les siens de la sanglante Saint Barthélémy. Il part également avec son " nègre " un maure qu'il doit transformer en blond normand, avec son parfumeur, son " nez " un juif marrane ainsi que son coiffeur, une folle perdue. Tout ce joli monde " persona non grata " va se retrouver chez le père de la fiancée, un détraqué de la pire espèce, qui n'est autre que le grand inquisiteur de Cordoba...

La nana*

critiques — Sat, 24 Oct 2009 10:42:21

Ce film est un petit bijou. Original, intéressant et remarquable, il nous charme par sa délicatesse et son originalité.

scénario: 18/20 technique: 18/20 acteurs: 18/20 note finale:18/20

Raquel fête son anniversaire chez ses employeurs où elle travaille comme bonne à tout faire depuis plus de vingt ans. Lorsque sa patronne lui annonce l'arrivée de Mercedes qui doit l'aider dans ses tâches, Raquel le prend très mal et commence à exercer une pression psychologique néfaste sur son entourage...

(La Bonne) Sebastian SILVA - Chili 2009 1h35mn - avec Catalina Saavedra, Claudia Celedon, Alejandro Goic, Andrea Garcia-Huidobro, Mariana Loyola... Scénario de Sebastian Silva et Pedro Peirano. FESTIVAL de SUNDANCE 2009 : Grand Prix du Jury, meilleur film étranger Prix spécial du Jury, meilleure actrice - FESTIVAL de PARIS 2009 Prix du Public.

Ne perdez pas une minute, venez vite faire connaissance avec Raquel, et avec sa formidable interprète, l'incroyable Catalina Saavedra ! Raquel, c'est la boniche qui fait partie de la famille, « la nana » en espagnol, celle qui torche les gosses, leur donne le biberon, leur fait les tartines du goûter au retour de l'école, brique la maison, sert le repas avec ponctualité et discrétion, taciturne autant qu'impeccable… Et tout ça depuis si longtemps que personne n'imagine qu'elle puisse partir un jour ou avoir des états d'âme. On ne la confond tout de même pas avec la famille, parce qu'elle n'oublie jamais son rang, mais depuis 23 ans chez les Valdès, bourges pur jus issus de la meilleure société de Santiago, elle a droit a des égards certains et, Madame y tient, personne ne loupe son anniversaire… Sûre d'être indispensable, elle n'est pas vraiment commode et ce n'est pas très facile de deviner ce qui lui ferait plaisir, et si même elle sait ce que le mot plaisir veut dire. D'autant que, si elle a ses préférés (le garçon ado de la fournée), elle ne rate pas une occasion de faire la tête à qui la défrise…

23 ans chez les Valdès donc… Si elle flirte, c'est uniquement avec la quarantaine, et elle ne sort guère de cette demeure bourgeoise où elle a toujours eu sa chambre, enfermée dans son labyrinthe mental dont on n'imagine pas qu'elle puisse s'échapper, pas plus que de cette maison où elle tourne en rond, toujours tirée à quatre épingles avec son petit col blanc.
Quand sa patronne prétend embaucher une autre domestique, histoire d'alléger son travail à la suite d'un petit malaise, Raquel va donc inévitablement prendre un sacré coup d'angoisse : serait-ce qu'elle ne ferait plus l'affaire, qu'elle aurait déplu ? Cette famille est sa seule famille et aucune intruse ne saurait venir chambouler ses armoires ! Pas vraiment son genre d'argumenter, de protester ouvertement, obéissante quoi qu'il arrive, mais chaque fois qu'une nouvelle venue va tenter de s'implanter sur son territoire, la Raquel va lui tendre mille petits pièges sournois, jusqu'à ce qu'elle prenne ses jambes à son cou avec horreur… Si bien qu'une forme de tension va s'installer dans la famille qui ne sait trop par quel bout la prendre… C'est qu'elle est inquiétante, la Raquel… D'ailleurs nous mêmes on serre les fesses, et bien que rigolotes, ses petites stratégies hostiles nous filent le frisson. On se demande même si on ne va pas basculer tout à coup dans quelque chose de fantastique tant le climat tangue, non sans humour, entre paranoïa et claustrophobie.

Raquel trouvera- t-elle une Ariane pour lui tendre le fil qui lui permettra de s'échapper de cette vie étouffoir ? Ou bien sombrera-t-elle dans le gouffre de folie au bord duquel elle semble tituber ? Eh ben ! Vous le saurez en venant voir ce petit régal chilien désigné « Meilleur film étranger » au festival de Sundance qui, comme chacun le sait, est un festival qui a l'œil gourmand et la curiosité fertile. Mais je rassure les craintifs : vous pouvez venir de bon cœur, le pire n'est jamais sûr, rien n'est jamais vraiment définitif et il arrive parfois que des courants d'air salvateur et frais viennent faire battre portes et fenêtres… mais chut !

Cinéma: bonne année mais peu d'entrées pour les films suisses

critiques — Fri, 23 Oct 2009 23:21:02

Les cinémas suisses ont pour l'heure enregistré au cours de l'année une hausse de 12% du nombre de spectateurs par rapport à la même période en 2008. Ces bons résultats sont à mettre au profit des films étrangers, seule une réalisation suisse ayant jusqu'ici rempli les salles.

Avec 80'500 entrées, la comédie "Die Standesbeamtin" de Micha Lewinsky est le plus grand succès du cinéma suisse de l'année. Elle pourrait toutefois être rattrapée par "Giulias Verschwinden" de Christoph Schaub qui, après deux semaines, enregistre déjà 50'000 billets vendus, selon les derniers chiffres de Procinema.

Ces deux films restent toutefois encore loin des records enregistrés par "Grounding", "Mon nom est Eugène" ou "Les mamies ne font pas dans la dentelle" qui avaient drainé entre 400'000 et 600'000 personnes au cinéma.

Quant aux autres films suisses de l'année, à l'instar de "Cargo", l'ambitieux premier long-métrage de science-fiction qui n'a été vu au cours du premier mois de projection que par 21'000 personnes, il n'ont pas connu de grand succès. "Pepperminta" de Pipilotti Rist, pourtant projeté à la Mostra de Venise, a enregistré 13'000 entrées en six semaines, ce qui est toutefois bon pour un film d'art.

Globalement, après deux maigres années avec moins 15 millions de billets vendus, 2009 s'annonce meilleure pour les salles suisses. La barre des 15 millions devrait être franchie d'ici la fin de l'année. En 2002, année record, 19 millions d'entrées avaient été enregistrées.

7 minutes au paradis

critiques — Fri, 23 Oct 2009 10:35:58

les films israéliens sont rarement tralala youpla boum. Et celui-ci ne déroge pas à la règle. C'est un film très réussi. Tout en nuances. Les acteurs sont merveilleux et le scénario est étonnant et rare. Bref, j'ai adoré.

scénario: 17/20 acteurs: 17/20 technique: 17/20 note finale: 17/20

On dit que, lorsque les âmes ne sont pas prêtes, 7 minutes leurs sont accordées pour décider de revenir à la vie."
Galia, une jeune femme de 27 ans blessée dans l'attentat d'un bus à Jérusalem, se met à rechercher l'homme qui lui a sauvé la vie.
Un voyage qui va lui révéler une vérité insoupçonnable.

La qualité du son et de l’image, notables pour un premier film, l’interprétation toute en nuances de l’actrice, nous immergent dans l’esprit et le corps de Galia. Le choix de ne pas aborder les causes de l’attentat mais ses conséquences intimes, rend le film universel et intemporel. Une nouvelle preuve de la vitalité du jeune cinéma israélien.

Cet effet de surprise (le twist final) n'est toutefois pas de nature à pallier les défauts d'un film plus soucieux de mener à bien son stratagème narratif qu'à travailler sur ses dialogues (insipides), ses acteurs (peu convaincants) et ses personnages (illustratifs).

Vivez libre. Non ma fille, tu n'iras pas danser*

critiques — Thu, 22 Oct 2009 10:52:58

Ce film raconte l'histoire d'une femme qui veut vivre librement sa vie mais qui a de la peine à réussir. c'est intéressant mais il y des longueurs. Bien joué. Bien filmé. Beaucoup d'hystériques dans cette famille.

scénario: 15/20 acteurs: 15/20 technique: 15/20 note finale: 15/20

Depuis qu'elle s'est séparée de Nigel, Léna traverse la vie comme elle peut avec ses deux enfants. Elle triomphe avec vaillance des obstacles semés sur leur route. Mais il lui reste à affronter le pire : l'implacable bonté de sa famille qui a décidé de faire son bonheur.

Christophe HONORÉ - France 2009 1h45mn - avec Chiara Mastroianni, Marina Fois, Marie-Christine Barrault, Fred Ulysse, Julien Honoré, Louis Garrel, Marcial Di Fonzo Bo... Scénario de Christophe Honoré et Geneviève Brisac. Musique d'Alex Beaupin, mais avec aussi Anthony and the Johnsons, XTC.

Christophe Honoré a un vrai talent pour saisir ce qu'on appelle communément « l'air du temps ». Les angoisses diffuses, les désirs tâtonnants, les espoirs précaires, les comportements volontiers erratiques d'une génération qui vieillit avec lui et qui aborde maintenant la quarantaine. Tous ces états d'âme en vrac, tous ces sentiments en désordre, tout ce grand bazar de la vie affective de ses contemporains, incarnés dans des personnages fantasques et attachants, il nous les livre dans des films qu'il a toujours voulus légers, voire primesautiers, mais qui, l'âge et la maturité venants, hésitent de moins en moins à afficher leur gravité profonde. C'est le cas de ce Non, ma fille…, qui prend à bras le corps le casse-tête de la famille et de ses tracas, à travers le cas particulier de Lena, alias une Chiara Mastroianni qui n'a jamais été aussi belle et craquante.

Lena qu'on cueille à la gare Montparnasse, ses valises à la main et ses deux enfants à ses basques. Scène d'ouverture qui dit déjà beaucoup : dans l'agitation du départ, Lena est légèrement dépassée. Pleine de vie, de bonne volonté, d'amour et de compréhension pour ses mômes, mais vite larguée, hésitante, ne sachant pas s'il faut laisser sur le sol le pigeon blessé que son fils a trouvé ou bien le prendre pour le soigner… Elle finira par le fourrer dans son sac enveloppé dans un journal, la plus mauvaise solution, mort rapide assurée pour le volatile… Le train se dirige vers la campagne bretonne, vers la maison où va se retrouver toute la famille autour des parents qui vivent toujours là. Autour des géniteurs aux 400 coups pour le grand rassemblement, il y aura Frédérique, la sœur maussade en bisbille avec son mari Thibault (plus leur fils José) et Gulven, le petit frère qui a toujours le mot pour rire, accompagné de sa nouvelle copine qui fera le cheveu sur la soupe.
Et tout ce petit monde va essayer de faire un vrai groupe, cohérent, chaleureux, respectueux de chacun, à l'écoute de tous ses membres… Mais les uns et les autres, et la mère en premier lieu, veulent tellement bien faire, veulent tellement que rien ne cloche, veulent tellement combler les silences, combler les manques… que tout va devenir affreusement compliqué… Surtout pour Lena, qui occupe officiellement le rôle de celle qui a besoin qu'on l'aide, qu'on la chouchoute : elle vient de divorcer, elle a quitté son travail, elle ne sait pas trop où elle en est. Il faut donc que la famille se mobilise pour lui redonner le sourire, pour la remettre sur la voie du bonheur. Malheur ! D'autant que la première idée géniale de sa mère a été d'inviter l'ex-mari, Nigel, pour qu'il puisse lui aussi profiter du bon air et de ses enfants qu'il voit trop peu…

Voici donc le parcours cahotique de Lena, une chouette fille qui traverse la vie comme elle peut, vaillamment mais clopin-clopant, séduisante et entêtée, intelligente mais parfaitement capable de s'enferrer dans des situations inextricables, et qui va devoir se coltiner en plus les velléités consolatrices d'une famille envahissante…

Mères et filles*

critiques — Wed, 21 Oct 2009 10:57:19

Un film plein de surprises et de rebondissements. Les acteurs sont parfaits. Le scénario est très réussi et c'est bien filmé.

scénario: 17/20 acteurs: 17/20 technique: 17/20 note finale: 17/20

Trois femmes, trois générations.
Dans les années 50, Louise a quitté le domicile conjugal alors que ses enfants étaient encore jeunes. Elle n'a plus donné signe de vie. Sa fille Martine est restée dans la petite ville de bord de mer où elle est devenue médecin.
Aujourd'hui Audrey, la fille de Martine, la trentaine indépendante, revient rendre visite à ses parents. Elle va trouver par hasard un cahier ayant appartenu à sa grand-mère, un journal qui pourrait enfin expliquer son départ.
Éclaircira-t-il les non-dits qui altèrent depuis toujours les relations au sein de la famille ?
Audrey y trouvera-t-elle les réponses aux questions qu'elle se pose sur son propre avenir ?

Julie LOPES-CURVAL - France 2009 1h45mn - avec Catherine Deneuve, Marina Hands, Marie-José Croze, Michel Duchaussoy, Jean-Philippe Ecoffey... Scénario de Julie Lopes-Curval et Sophie Hiet.

Elle a la trentaine superbe (Marina Hands, Lady Chatterley herself, excusez du peu) et déboule pour voir ses parents dans leur maison au bord de l'océan. Entre sa mère, Martine, et elle, les sentiments sont électriques et les non-dits encombrants. Le père, en retrait, aimant, fait le conciliant, arrondit les angles mais si Audrey déboule aujourd'hui, c'est bien parce qu'il y a quelque chose qui l'empêche d'avancer dans ce moment crucial de sa vie, un malaise qu'elle trimballe depuis toujours : pourquoi sa mère, qui pourtant l'aime, a-t-elle toujours eu cette brutalité dans ses rapports avec la terre entière et en particulier avec elle ? Quelle douleur enfouie cache-t-elle ? Pourquoi ne lui dit-on rien de sa grand-mère disparue du jour au lendemain, le comportement de sa mère a-t-elle un lien avec cette disparition ?

Louise, la grand mère, était une belle femme et, dans les années cinquante, avait épousé un gentil garçon comme on dit, couturier de province mais de talent qui avait pignon sur rue et lui confectionnait tous les plus beaux modèles dont n'importe quelle parisienne de l'époque rêvait. Elle avait deux beaux enfants qu'elle chérissait, la mère d'Audrey et son frère toujours présent… Louise avait poussé Martine à l'excellence, lui répétant sans cesse qu'il lui fallait réussir dans ses études, obsédée par l'idée que sa fille gagnerait ainsi l'indépendance qui lui était refusée… Et après qu'elle eut disparu sans laisser l'ombre d'une lettre, Martine avait tout fait pour répondre au souhait de sa mère adorée jusqu'à s'installer toubib à deux rues de la maison de son père. La disparition de Louise avait empoisonné leurs vies de doutes et si le mari avait mis un point final à son histoire en leur disant qu'elle était partie en lui piquant ses sous, la douleur et le doute n'avaient cessé de continuer leur travail de sape.
En s'installant dans la maison vide de son grand-père, Audrey va fureter un peu partout, reniflant les secrets de famille enfouis, et finira par tomber sur un petit carnet où Louise notait ses meilleures recettes de cuisine et ajoutait parfois le trop plein de ses états d'âme…

En plongeant dans l'histoire de Louise, c'est l'histoire de toutes les femmes qui va remonter à la surface et Audrey découvrira, bien caché dans son inconscient douloureux entre les frustrations et douleurs transmises de mère en fille, le poids de cette dépendance qui faisait qu'une femme ne pouvait décider de sa propre vie. Louise avait tout ce dont une femme pouvait rêver, mais pas le droit au rêve, ni celui de sortir, ni de travailler ni d'avoir un compte en banque sans l'accord de l'époux et elle qui rêvait de faire de la photo était très vite devenue suspecte à la clientèle féminine de la boutique de sur mesure où défilaient toutes les commères de la ville. En ce temps là, les « qu'en dira-t-on » pesaient lourd sur la vie d'une femme…
C'était il n'y pas si longtemps, trois toutes petites générations à peine et le film rappelle par une foultitude de détails comment les femmes se transmettaient de mères en filles cette culture de l'étouffement. Il aura fallu attendre les années 70 pour que les femmes puissent ouvrir un compte en banque sans en référer à personne, songer au divorce… « Oui papa, oui patron, oui chéri… Y en a marre ! » chantaient les filles dans les manifs de 68.
Dans cette histoire particulière où Catherine Deneuve et Marina Hands font merveille, on réalise le chemin parcouru… et celui qu'il reste à faire, parce que si la condition des femmes a radicalement évolué, le machisme est loin d'être mort et semble même reprendre du poil de la bête, parfois avec la complicité des femmes elles-mêmes…

Sur ce sujet, de la lutte qui doit continuer et du réveil machiste, nous vous montrerons bientôt un formidable documentaire : La Domination masculine, réalisé par le belge Patric Jean. À suivre…

The informant*

critiques — Tue, 20 Oct 2009 10:34:39

Je déteste les films à l'image dégueulasse, jaunasse. Et ce film a l'image jaunasse et dégueulasse. Les acteurs sont mauvais, le scénario est pathétique et c'est mal filmé. J'ai détesté cette merde. Et il est temps que MattDamon apprenne à jouer... Cotisons-nous pour lui payer des cours ....

scénario: 3/20 acteurs: 2/20 technique: 3/20 note finale: 2/20

Quelle mouche a donc piqué Mark Whitacre ? Pourquoi un des cadres supérieurs les plus brillants du géant agroalimentaire Archer Daniel Midlands (ADM) décide-t-il soudain de dénoncer les pratiques de sa société et de devenir le chevalier blanc du consommateur ? Se prend-il pour un justicier ? Un héros ? Espère-t-il une médaille ou la reconnaissance éternelle du bon peuple ?
Avant d'obtenir tout cela, Whitacre va devoir fournir au FBI des preuves concrètes des manoeuvres illicites d'ADM. Porter un micro, jouer les agents secrets... L'ennui, c'est qu'il a
tiré lui-même des profits non négligeables des dites manoeuvres, et que son témoignage, pour le moins... fluctuant, risque fort de compromettre le travail des enquêteurs. Peut-on se fier à cet homme à l'imagination galopante? Y a-t-il la moindre parcelle de vérité dans ses allégations ?

Steven SODERBERGH - USA 2009 1h47mn VOSTF - avec Matt Damon, Scott Bakula, Joel McHale, Melanie Lynskey... Scénario de Scott Z. Burns, d’après le livre de Kurt Eichenwald.

Une histoire vraie. Des multinationales qui conspirent dans le dos des consommateurs américains quand elles ne sont pas occupées à s’espionner ou à se saboter mutuellement. Des marchés truqués, des ententes illégales, des coups tordus dans une partie d’échec à l’échelle mondiale. Et puis, caché dans les tréfonds de cette mécanique bien huilée, un rouage qui ne veut plus tourner. Un homme seul qui a décidé de parler, et qui va se retrouver piégé dans un double jeu infernal, entre FBI qui en veut toujours plus et chasse à la taupe au sein de la World Company, au risque d’y perdre sa santé, son job, son épouse, sa vie.
On pourrait craindre le énième film-dossier à l’américaine, trop bien ficelé, avec rebondissements calibrés et valeureux héros seul contre tous… Sauf que ce n’est pas ça du tout ! D’abord on n’est pas dans le registre du thriller économique mais dans celui de la comédie burlesque et corrosive ; ensuite c’est Matt Damon qui prête son charisme de chicon braisé au héros, un Damon grassouillet affublé d’un postiche grotesque, d’une moustache du même tonneau, et de costumes que n’aurait pas reniés Donald Cardwell ; en plus c’est Steven Sorderbergh qui est à la barre, Sorderbergh l’immortel auteur de Schizopolis ! Allez, je sens que j’ai retenu votre attention ! Reprenons.

Mark Withacre est cadre supérieur dans la société ADM, une entreprise agroalimentaire d’envergure internationale. Ingénieur chimiste de formation, il est chargé de régler les problèmes de production d’une certaine enzyme quand on découvre qu’un mystérieux saboteur espionne pour le compte de la concurrence. Sommé par sa direction de communiquer sa découverte au FBI, Whitacre va franchir le Rubicon en révélant aux autorités les secrets peu glorieux du petit cercle des géants de l’agrochimie. Convaincus du potentiel de leur poulain, ses deux agents traitants l’encouragent à toujours plus d’audace. Mark ne se fait pas prier et alimente la photocopieuse jusqu’au jour où, inexplicablement, la source se tarit. Pourquoi ? Peut-être que Mark le docile, Mark « l’orphelin adopté par un riche bienfaiteur qui l’a envoyé dans les meilleurs écoles », Mark l’incarnation de la méritocratie à l’américaine, cet honnête homme a d’autres projets en tête que ceux du département de la justice, des projets bien à lui…
A partir de là, et selon les règles d’une mécanique comique aussi implacable que faussement nonchalante, s’enchaînent les coups de théâtre sous les regards médusés des deux policiers et ceux - hilares et incrédules - du spectateur, chaque révélation se concluant par la même réplique déclamée la main sur le cœur par un Matt Damon angélique : « cette fois, je vous ai tout dit », véritable running-gag annonçant immanquablement de nouveaux aveux, les plus rocambolesques étant moins ceux du monde de l’entreprise que ceux dévoilant comme autant de lapsus ce qui se cache dans sa tête.

Dissimulateur pathologique déconcertant de naïveté et de roublardise, oxymore ambulant, la double nature de Mark Whitacre explose avec d’autant plus de force que Soderbergh, en grand formaliste qu’il est, a opté d’une part pour une charte graphique en totale adéquation avec son milieu : plans moyens, décors mornes, costumes et décorations d’une laideur à hurler, et ajouté en contrepoint les monologues intérieurs de Mark, mélange de lieux communs atterrants de médiocrité et de fulgurances oulipiennes désarçonnantes ; de cette tension entre la platitude visuelle et la tempête mentale, naissent le comique de la situation et la tragédie du personnage, un homme désespérément avide de conformisme et ontologiquement incapable de se plier au principe de réalité.
C’est à l’accouchement drôlatique (pour nous) et douloureux (pour lui) de la vérité que nous convie Mark Whitacre : une maïeutique de la moumoute en quelque sorte.